Entrevista con… Baby Woodrose (2006)

Se están convirtiendo en una de las sensaciones del momento en Escandinavia, pero en ellos no hay ni rastro de Punk Rock o “high energy”. Y es que cualquier que haya visto en directo a esta banda danesa sabe que clasificarles es misión imposible. Ramalazos hard rockeros, referencias a sustancias psicotrópicas, influencias del Garage más primitivo, dosis generosas de psicodelia y un alucinante Hammond que te hace viajar en el tiempo hasta los maravillosos 60. Y sobre todo un frontman, Lorenzo Woodrose, cuya agresividad convierte cada show en una sudorosa y agotadora experiencia. Son respetados por seguidores de todo tipo de tendencias, del Garage sixties al Stoner rock, y acaban de grabar su cuarto disco: “Love comes down”. De todo esto hablamos con su frontman, directamente desde Copenhage.

Llevo años siguiendo al grupo, y he disfrutado con cada paso de nuestra discografía, pero éste nuevo álbum, “Love comes down”, me parece una bomba. Por una parte vuestro lado hard rockero está más presente que nunca y por otra recuperáis ese punto psicodélico que tanta importancia tenía en vuestros inicios

“Ese sonido psicodélico está en algunas canciones, sobre todo en “Chemical Buzz”, “It’s all over now” o “Christine”. Es material que podía haber pertenecido a nuestro primer disco. El resto de los temas, efectivamente, creo que tienen un sonido muy directo”.

Han pasado tres años desde “Money for soul”. ¿Por qué tanto tiempo para grabar un nuevo disco?

“¡Porque empezamos a tener éxito! (Risas). Giramos por toda Europa, vendimos más álbumes que nunca, y también publicamos un disco de versiones, que era algo que habíamos planeado antes de que “Money for soul” empezase a venderse tan bien. Y grabar “Love comes down” nos llevó mucho tiempo, porque por primera vez teníamos todo el apoyo de la compañía y más tiempo para trabajar en el estudio. Y de momento nos está yendo muy bien, el disco ha sido distribuido por la compañía más importante de Escandinavia, hemos hecho un videoclip para el primer single, “Kittie Galore”, y bueno, sabemos que el tema de las ventas de discos está de capa caída, pero al menos esperamos que “Love comes down” guste y vendamos bastantes copias en nuestros conciertos”.

¿No os sentís como una banda en tierra de nadie, entre la escena de Garage y la Stoner?

“Tenemos seguidores en ambas escenas, es cierto. Pero no veo nada Stoner en nosotros. Yo creo que se nos relaciona con el Stoner porque mi anterior banda, On Trial, encaja muy bien en esa escena”.

La banda escandinava de mayor éxito en los últimos años han sido Hellacopters. ¿Qué opinas de su evolución en sus últimos discos?

“No me entusiasman, pero no están mal. Se nota que ahora tiran por ese lado setentero, con influencias de bandas como Cheap Trick… suenan más limpios, más comerciales, pero creo que siguen siendo buenos”.

Hablemos de la portada del álbum: una clara alusión a los alucinógenos

“Podríamos decir que si (Risas)“.

¿Dirías que las drogas blandas te ayudan, creativamente hablando?

“Mmmmmm, no, yo diría que no. Un artista es o no creativo, y no lo será por muchas drogas que tome. No se qué decir sobre las drogas. Evidentemente, todos los músicos de rock conviven con ellas, nosotros también las tomamos a veces, y gran parte del público lo hace. Pero ya no es como hace años, cuando había un gran misterio en torno a ellas. Todos las conocemos y sabemos de los peligros que entraña su uso, asi que es una decisión personal de cada uno. Pero en cuanto a que mejoren la creatividad de un músico, yo lo dudaría”.

Hablemos de On Trial, la banda en la que estuviste diecisiete años. En el norte de Europa fuisteis una auténtica banda de culto

“Si, porque estuvimos todos esos años sin parar de tocar. Pero llega un momento en el que conoces perfectamente a tus compañeros de grupo, y sabes que innovar va a ser imposible. Ellos siguen adelante, su último trabajo es fantástico, asi que creo que fue lo mejor para todos”.

El debut de Baby Woodrose fue “Blows your mind”. El sonido de ese disco es muy retro, y realmente denso. Tengo entendido que lo grabaste tú sólo

“Si, eran canciones que no podía introducir en el repertorio de On Trial, y lo hice yo sólo en un pequeño estudio. Se supone que nunca iba a haber otro nuevo álbum de Baby Woodrose, pero conocí a los dos chicos que están conmigo en la banda y ofrecimos un sólo show, pero ya no pudimos parar. Se empezó a correr la voz y cada vez venía más gente a los conciertos, y el disco estaba gustando mucho. En ese momento descubrí que era lo que realmente quería hacer”.

Las influencias hard rockeras del disco hicieron que muchos os comparasen con los Monster Magnet de “Spine of god”

“Me encanta “Spine of God”, la primera vez que lo escuché se convirtió en un clásico instantáneo para mi, y creo que ha aguantado muy bien el paso de todos estos años. Pero Monster Magnet son muy Arena rock, nuestra forma de tocar y la suya es totalmente diferente. He oído esa comparación antes, y creo que es porque nos influencias cosas parecidas, compartimos ese interés por el hard rock y al mismo tiempo por la música de los 60. Tenemos en común ese tipo de “dope smoking attitude”, pero no mucho más”.

Vuestro segundo trabajo, “Money for soul” os dió a conocer a un nivel todavía más amplio, ¿cómo ves ese disco?

“Más completo, porque lo grabamos como una banda a todos los niveles. Pudimos trabajar con distintos elementos, es un disco de Garage pero también de Hard Rock, y sigue habiendo elementos psicodélicos en él. A nivel del público, tenemos la sensación de que gustó mucho y funcionó bastante bien”.

Después, grabásteis un single con Pete Belli. ¿Quien era éste hombre?

“Pete Belli es una de las grandes leyendas del Rock n’ Roll danés. Era un cantante Beat, ya sabes, una de las primeras personas en llevar el pelo largo en los 60 y grabar algunos singles de éxito. Éramos fans suyos, porque su primer material es de primera, e incluso adaptó al danés varios hits británicos de la época. Era un buen cantante, y se hizo muy famoso, pero acabó actuando en galas y grabando un montón de basura en los últimos años. Y ahora que tiene sesenta años, se nos ocurrió proponerle grabar este single de Rock n’ Roll, fue un proyecto muy divertido”.

Me gustó mucho el álbum de versiones que publicasteis hace un par de años, “Dropout!”. Generalmente, el fallo de éste tipo de discos es que son demasiado predecibles, pero vosotros elegisteis material muy oscuro. Me gustaría saber qué significan para ti varias de esas bandas versioneadas. Los primeros son Captain Beefheart

“Fascinante personalidad, y un personaje alucinante. Y bueno, hizo muy buena música, pero también otra que no lo era tanto (Risas)… Y luego…¡se esfumó! Ahora sólo le preocupa pintar, ya sabes… Para mi algunos de sus discos, como “Safe as milk”, “Stricktly Personal” o “Lick my decals off, baby”, son, a su manera, grandes discos de Blues”.

The Saints

“La escena con la que se les relaciona no me entusiasma, pero ellos eran diferentes. Porque para ser un grupo Punk, tenían esa base de sonido tan clásico…encontraron la manera de seguir siendo un grupo de Rock n’ Roll”.

La portada de “Dropout!” no puede ser más acertada: los miembros del grupo sentados en el suelo y rodeados de vinilos. Imagino que tendrás una buena colección

“Tengo una colección bastante aceptable. Hay discos de todos los estilos, pero está centrada en el Garage americano y en discos de psicodelia, casi todo de los 60 y 70s. No es que me haya gastado una fortuna en esos discos, es material que fui acumulando con el paso de los años, como cualquier fan de la música. Además mi novia tiene una buena colección de discos de Punk de los 70, asi que entre eso y lo mío está casi todo lo que me gusta escuchar”.

Algo muy sorprendente es que solíais terminar los conciertos de vuestra última gira con una versión del “It’s a long way to the top” de AC/DC. Nunca lo hubiera imaginado

“Si, claro, sus primeros discos son clásicos. Pero sólo fue en algunos conciertos. Solemos hacer jams y hacer distintas versiones. También tocábamos “Walking on my grave” de Dead Moon, que es otra de mis bandas favoritas, o “TV Eye” de The Stooges, “Summertime Blues”… Nos divierte incluir pequeñas sorpresas en cada show, es un coñazo tocar siempre el mismo setlist”.

Para mi, la banda escandinava más relevante en estos momentos son The Soundtrack of our Lives. ¿Qué te parecen?

“Fantásticos. Sobre todo su primer álbum, ¡es un puto clásico!. Esa clase de disco que la gente pondrá dentro de veinte años y seguirá siendo extraordinario”.

Sin embargo, de Dinamarca apenas sabemos nada. ¿Cómo es la escena alli? ¿muy diferente de la sueca o noruega?

“Es distinta, si. Mientras que en Suecia o Noruega los grupos suenan más americanos, la música de la mayoría de las bandas danesas tiene un sabor un poco más británico. Cuestión de cercanía, supongo”.

J.L. Fernandez, 2006.

Entrevista con… The Brought Low

Es una banda que se ha hecho a sí misma después de años recorriendo los clubs. Actualmente The Brought Low gozan del respeto de los seguidores de la escena Stoner, así como de los aficionados al Rock más clásico. Su primer y homónimo trabajo exhala Boogie y Rock 70s por los cuatro costados. Charlamos con su líder Ben Smith, recién llegado a casa tras un duro día de trabajo.

¿Cómo se formó la banda?

“El batería y yo habíamos tocado juntos durante los 90’s en una banda llamada Sweet Diesel. Tocábamos sobre todo en New York, que es de donde somos, y grabamos algunos discos. Éramos básicamente una banda de raíces punk, y teníamos influencias de grupos como Helmet. Cuando la banda se separó yo quise tocar un estilo diferente, y empecé a escribir temas más cercanos al rock clásico, aunque también tenía influencias del country, del blues…Con mi anterior banda se trataba más bien de tocar muy fuerte, conseguir un sonido ruidoso, pero hoy en día ya no escucho ese tipo de cosas, me centro sobre todo en el rock n’ roll clásico: Chuck Berry, Howlin’ Wolf, los Stones, The Who, y quiero que eso se refleje en el sonido de mi banda.”

Imagino que sería un cambio un tanto extraño pasar de tocar punk rock a una banda tan clásica

“Sobre todo para mi, porque soy el cantante. En mi anterior banda no me preocupaba sobre como cantar, porque básicamente gritaba, era todo muy agresivo, pero en este tipo de música es básico transmitir algo con la voz, y al principio me sentía muy inseguro, de hecho al principio le cantaba a mi novia, que es ahora mi mujer, y le preguntaba “¿está bien asi?” (Risas). Ahora me siento mucho más cómodo y el cambio ha sido para mejor.”

He escuchado el que es hasta ahora vuestro único trabajo, “The Brought Low” (2003), y me parece fantástico. ¿cómo fue la grabación del disco?

“Cuando grabamos el primer disco, Dean, el anterior bajista, todavía estaba en la banda, y el tenía experiencia como productor, asi que fue todo bastante sencillo. Las pistas básicas se grabaron en dos días, utilizamos otro par de días para las voces y otro para las mezclas, y eso es todo.”

Sorprende que el disco tenga sólo nueve temas

“Bueno, decidimos grabar sólo nueve canciones porque esa es la forma en la que se hacían los discos clásicos de rock. En la época del vinilo, en los 70’s, los discos tenían ocho canciones y duraban cerca de cuarenta minutos, y yo creo que eso es suficiente, creo que hoy en día las bandas abusan demasiado del tiempo de estudio y graban demasiadas canciones, y eso hace que un disco pierda fuerza. Piensa en un disco como “Led Zeppelin II”, dura treinta y cinco minutos, y es fantástico, o los discos de los Stones, Aerosmith, etc. Como músico, quiero que cada tema sea genial, y tenga su razón para estar ahí, y no quiero sonar como un gilipollas, pero creo que hemos grabado nueve buenas canciones. Es difícil grabar un disco con pocos temas, porque cada uno de ellos debe ser bueno de principio a fin. Seguiremos trabajando de esa forma en el segundo disco, creo que diez canciones es el límite, si pasas de ahí está bien para una banda punk, porque las canciones son muy cortas, asi que se les permite grabar doce (Risas) “

En 2005 la banda vuelve a la carretera, ¿cómo serán esos shows?

“Serán conciertos para audiencias reducidas, pero seguro que van a ser geniales. Apreciamos mucho a la gente que viene a vernos y que tiene el álbum y conoce nuestro material. Si eres capaz de tocar para una audiencia reducida, creces como músico y es todo mucho más fácil. Además intentamos sonar diferentes a como lo hacemos en el disco, en directo es todo más crudo, más fuerte, pero por otra parte en el estudio puedes recrearte en otro tipo de cosas, como poner guitarras acústicas…grabar un disco debería ser como pintar un cuadro, capturar una serie de momentos y que esos momentos tengan alma. En directo es muy diferente, puedes sentirte sucio y agresivo, estás en el medio de todo ese caos, y tienes que alimentar al público (Risas). Trabajamos muy duro para nuestros shows y creo que tenemos una buena reputación como banda de directo, y eso me enorgullece.”

Como tú dices, habéis cambiado de formación varias veces, y ahora tenéis un nuevo guitarrista llamado Kevin Eleven, ¿cómo es tocar con él?

“Oh, es genial. Lo que pasó con la formación original, que eramos Nick, Dean y yo, fue que el disco salió e hicimos un par de giras, pero Dean decidió que no quería hacer más tours con nosotros. No fue nada personal, seguimos siendo amigos, pero creo que él quería hacer un estilo diferente, algo más pop, y no quería actuar fuera de la ciudad, asi que tuvimos que echarle. Más tarde decidimos incorporar a un segundo guitarrista, que es Kevin, tocamos con una banda muy popular aqui llamada All Night, que tienen un par de discos muy buenos. Nos dimos cuenta de lo bien que sonaban con dos guitarras, y empezamos a hablar sobre la posibilidad de incluír a un segundo guitarrista en la banda. Yo siempre había escrito canciones pensando en una sola guitarra, pero ahora Kevin está en la banda y las nuevas canciones serán diferentes. Siempre tuvimos como modelo de banda a los Stones, y ellos conseguían un sonido increíble con dos guitarristas, y ahora Kevin es el guitarra rítmico. La primera vez que actuamos con él fue en CBGB’s, y fue fantástico, ahora tengo mucho más espacio como guitarrista, porque antes era muy difícil para mi tocar y cantar al mismo tiempo, creo que el cambio ha sido para mejor, tuvimos la suerte de contar siempre con buenos músicos, pero creo que la formación que tenemos ahora es la mejor que hemos tenido.”

Os definís a vosotros mismos como un grupo de “boogie rock”. ¿cómo es la escena de New York para ese tipo de bandas? ¿te gustan grupos como Raging Slab?

“Si, Raging Slab están bien, pero ultimamente no escucho mucha música actual. Me gustan muchas de las bandas que tocan por aqui, me encantan sus discos y sus seguidores pero desde hace un tiempo me centro en las bandas clásicas sobre todo, que es lo que de verdad me sigue inspirando: Bob Dylan, últimamente estoy escuchando mucho lo que hizo Eddie Cochran…Yo era uno de esos chicos que con veinte años se gastaban lo que tenían en su colección de discos. Cuando leía una entrevista a Led Zeppelin ellos te estaban diciendo “retrocede en el tiempo y escucha a John Lee Hooker” y yo lo hacía, y es de alli de donde venimos, esas son las raíces del rock n’ roll, que están en el sur de Estados Unidos. Mucha gente nos pregunta que por qué hacemos rock sureño si somos de New York, pero yo les contesto que no hacemos rock sureño, sino que hacemos rock n’ roll, y es de ahí de donde proviene, no porque pretendamos imitar a Lynyrd Skynyrd, sino que incluso el soul clásico seguía teniendo una influencia muy fuerte en el hard rock a lo largo de la década de los 70’s, asi que no pretendemos emular a Lynyrd Skynyrd, sino a las bandas que influenciaron a las bandas que los miembros de Lynyrd Skynyrd escuchaban, podríamos decir que todo se remonta a Robert Johnson. Nosotros somos una banda de hard rock de raíces. El rock n’ roll es lo que sucede cuando se mezcla la tradición musical de la población blanca americana con las raíces de la música negra, y eso sigue siendo una gran inspiración para cualquier músico.”

En vuestro sonido se aprecia una influencia bastante clara de Grand Funk Railroad

“Me encantan Grand Funk, claro que si, y esa es la música con la que crecí: Alice Cooper, MC5, Stooges, eso es lo que yo llamo “classic hard rock”.”

¿Entonces no escuchas a ningún artista actual?

“Bueno, me gustan The White Stripes. No se mucho sobre ellos pero creo que ese tipo es un buen cantante y un buen guitarrista. Me gustan The Dirtbombs, que son de Detroit, supongo que The Hives están bien también.”

¿En qué medida os influye vivir en una ciudad como New York?

“Es una gran influencia, sobre todo en las letras que escribo, suelo escribir cosas relacionadas con lo que significa para mi vivir en una ciudad como esta, hay un montón de buenas y malas experiencias relacionadas con ello, y creo que vivir en esta ciudad te hace una persona con una mentalidad más abierta. Yo nací aqui y crecí en Queens, que es una de las partes étnicamente más diversas del mundo.”

¿Hay algún productor con el que os gustaría trabajar especialmente?

“Está Eric Ambell en New York, él toca la guitarra para Steve Earle, y nos gustaría trabajar con él si fuera posible, ya hemos tocado juntos alguna vez y nos conocemos, aunque por el momento yo me estoy encargando de la producción del nuevo material, tampoco estoy muy al día sobre buenos productores.”

A pesar de ser una banda con referentes clásicos, tenéis bastante presencia en la escena del “stoner rock”. ¿qué te parecen este tipo de grupos?

“No creo que hagamos stoner rock, pero lo cierto es que tenemos muchos fans que lo son también de ese estilo. El stoner rock tiene una base de fans muy leal, y al final, todos somos bandas de rock, aunque quizá nosotros hagamos un sonido más “high energy. Tenemos influencias parecidas, me encantan Black Sabbath, también Deep Purple… pero cuando pienso en stoner rock pienso en bandas como Fu Manchu o Kyuss, y no tenemos nada que ver. De todos modos, mientras vengan a los conciertos y escuchen el disco, pueden llamarnos stoner rock o como quieran (Risas).”

Para terminar, ¿qué consideras lo más difícil de este trabajo?

“¿De tocar en una banda?. No lo se, todo el mundo que gira por Europa me dice que es fantástico, y que las bandas tienen un recibimiento increíble alli…y cuando tocas en América, cuando estás en una banda de auténtico rock n’ roll, y no tienes un sonido comercial, ves difícil poder llegar a salir del underground, y los tours son duros: has de conducir muchos kilómetros, comer mala comida, bebes demasiado…pero es algo que no puedes evitar, es la forma de compartir tu música con la gente. La banda tiene ya cinco años de existencia, y cada show sigue siendo una batalla. Tienes que amar la música para que todo esto no te afecte, tienes que disfrutar de verdad tocando, haciendo sentir algo al público. Cuando te paras a pensarlo te das cuenta de que vale la pena.”

J.L. Fernandez, 2005. Entrevista completa publicada en el nº384 de la revista Popular 1.

Entrevista con… The Polyphonic Spree

¿Túnicas de colores? ¿Filosofía Hippy? ¿Instrumentación sinfónica? ¿Influencias de los primeros Pink Floyd?. Estas y otras son las credenciales con las que se presentan The Polyphonic Spree, una de las bandas más inusuales del momento. El artífice de la formación es el misterioso gurú Tim DeLaughter, cantante y compositor de todas sus canciones, que expresa desde la propia estética de la banda su visión de la vida la filosofía new age. En este 2004 acaba de salir a la venta su segundo trabajo “Together we’re heavy”, en el que se aprecia un sonido mucho más directo y donde la influencia de los Beatles planea sobre todo el álbum, un trabajo que ha sido elogiado por artistas de la talla de Trent Reznor. Contactamos con el bajista Mark Pirro para saber más sobre esta original banda.

 

Escuchando “Together we’re heavy”, se aprecian muchas diferencias con respecto a vuestro debut: es más melódico, más luminoso, ¿habéis trabajado con un concepto de álbum diferente?

“Creo que las diferencias más obvias y significativas están indicadas en los propios títulos de los discos. El primero, “The beginning states of The Polyphonic Spree” es precisamente eso, el inicio de la banda como tal, de hecho cuando el disco fué publicado, apenas llevábamos unos pocos meses juntos como grupo, éramos sólo trece miembros y grabamos ese disco en pocos días. Sin embargo, en nuestro nuevo trabajo, “Together we’re heavy”, se aprecia el hecho de que es una entidad mucho más elaborada; el material para este disco es el fruto de varios años de trabajo y esta vez la grabación duró meses, y a todo esto hay que añadir el hecho de que ahora somos veinticuatro miembros en la banda. En mi opinión, es una obra mucho más madura y compleja. Creo que todo ha encajado en la manera de componer de Tim (DeLaughter) en esta ocasión.”

Me gustaría hablar de los principios de la banda. ¿Cómo os conocisteis y decidisteis poner en marcha una banda como The Polyphonic Spree?

“La idea de fundar The Polyphonic Spree vino del cantante y compositor Tim DeLaughter. Tim, nuestro batería Bryan y yo ya nos conocíamos, tocábamos juntos en una banda llamada Tripping Daisy. Estuvimos en esa banda durante diez años y aprendimos un montón de lecciones muy importantes. Por desgracia, el grupo tuvo un final trágico cuando nuestro guitarrista y amigo Wes Berggren murió inesperadamente en 1999. Tim lo pasó realmente mal, y se pasó cerca de un año y medio sin querer saber nada de la música. Entonces me llamó un día, estaba realmente ilusionado, y me contó la idea que tenía para formar una nueva banda. Dijo que tenía que encontrar un nombre que definiese por sí solo las características de la banda: “Polyphonic” significa multitud de sonidos, y “Spree” sugiere extravagancia y colorido. La idea era formar una banda con instrumentos de rock, instrumentos sinfónicos y un coro para crear una sensación de sonido envolvente. También fue suya la idea de vestir túnicas para que la banda diese una sensación de unidad entre sus miembros. Después de que Tim me lo propusiera empezamos a buscar gente para tocar muchos de los instrumentos que necesitábamos. Las cosas empezaron a funcionar al poco tiempo. Realmente todos los miembros de la banda estamos muy involucrados, no sólo como amigos, sino que somos casi como una familia.”

¿Cuales eran vuestras principales influencias al principio?

“Con tantos miembros en la banda, las influencias son muy numerosas y difíciles de enumerar. Pero creo que en conjunto todos sentimos una gran admiración por el pop melódico de los años 60, y un aprecio común por bandas como los Beatles y los Beach Boys.”

 

En vuestra música y en vuestras letras se puede apreciar un concepto realmente positivo de la vida. ¿Tenéis esta visión de las cosas en vuestro día a día?

“He de decir que el responsable de este concepto es nuestro cantante y compositor Tim DeLaughter, aunque creo que si, que el ve las cosas de esa forma y es así como vive su vida, de hecho sus experiencias son las que le dan inspiración para componer las canciones y escribir las letras. Pero hey, al final, como todas las personas, nos vemos enfrentados a las mismas pruebas y problemas que todo el mundo.”

¿Hay lugar en la escena actual para una banda como la vuestra?

“Creo que es un momento perfecto para nosotros ahora mismo. La industria musical y el propio concepto de música están en una encrucijada ahora mismo. El concepto de “música rock” se ha diversificado más que nunca, y sin embargo está muy homogeneizado a nivel comercial. La tecnología digital ha influído más de lo esperado, no sólo a un nivel de comodidad para grabar, sino que está todo el tema de las descargas de internet, que lo hace todo muy difícil para las bandas y los sellos discográficos para tener el control sobre su propio negocio. En ese sentido The Polyphonic Spree hemos sido unos pioneros en esta nueva era musical. Siempre hemos hecho las cosas de una manera muy poco convencional, y creo que nuestros seguidores ven en nosotros una forma de sobrevivir a este gran cambio.”

Fuisteis llamados para actuar en la última edición del festival Lolapalooza. Teniendo en cuenta que es el festival alternativo por excelencia, ¿no os sentisteis algo extraños en un evento de ese tipo?

“Bueno, al final el Lolapalooza se canceló. Pero nos encanta actuar en festivales, creo que es donde podemos hacerlo mejor debido al gran ambiente que suele haber. El primer año que The Polyphonic Spree giró por Europa tocamos en muchos festivales que suelen ser considerados de rock alternativo, y siempre nos sentimos muy a gusto en ese tipo de ambientes.”

Trent Reznor ha declarado ser seguidor del grupo. ¿No suena eso algo extraño?

“Si, si que puede parecerlo en un primer momento, ya que se supone que Trent tiene un concepto realmente oscuro de la vida y la música.”

¿Qué opinión teneis de él?

“Bueno, no he llegado a concerle personalmente, pero creo que hay dos posibilidades: la primera es que él tenga realmente ese concepto tan negativo de las cosas, y al escuchar nuestra música sienta una sensación de salvación de todo eso, la otra es que sea un tipo afable que simplemente disfruta escuchando música.”

¿Podrías contarme alguna anécdota curiosa relacionada con la banda?

“Bien, nos pasó algo realmente sorprendente hace poco. Por el hecho de vestir túnicas y ser tantos miembros en la banda mucha gente cree que somos algún tipo de secta peligrosa. Hace pocos fuimos responsable del cierre de un aeropuerto internacional en Dallas. Lo que ocurrió fue lo siguiente: yo utilizo micrófonos hechos a mano para actuar, y nuestro percusionista Brian Teasley tenía uno de mis micrófonos en su equipaje. Al parecer ese tipo de micrófonos tienen aspecto de bombas, y cuando las autoridades del aeropuerto revisaron su equipaje y vieron el micrófono ¡pensaron que se trataba de algún tipo de explosivo peligroso!. Inmediatamente cerraron la terminal, cancelaron todos los vuelos y llamaron a la brigada de explosivos para controlar la situación. Cuando Brian aterrizó en su hogar en Birmingham, Alabama, se encontró con el F.B.I. esperándole. Tuvo que explicarles la situación, que tocaba en una banda muy numerosa, y después de muchas explicaciones y una examinación minuciosa del micro, las autoridades lo pusieron en libertad. Sin embargo, cuando pensamos que todo se había resuelto, el F.B.I. empezó a investigar a nuestro cantante principal Tim DeLaughter, incluso llegaron a entrevistar a todos sus vecinos para hacerse una idea de su personalidad y su vida diaria. Se que hubo un momento en que resultabamos sospechosos para el F.B.I., pero todo acabó bien y es una historia divertida. La historia llegó a todos los medios nacionales e incluso aparecimos encabezando las noticias. Todo eso es publicidad para The Polyphonic Spree, y añade más misterio a la duda de si somos o no una secta.”

Vuestro disco recuerda a la psicodelia británica y americana de los 60, ¿cuales son vuestros artistas favoritos de aquella década?

“Personalmente diría que amo a los Beatles.”

¿Qué representan para vosotros los ideales de aquella época?

“Desde luego, pienso que fué un momento fantástico para la música. De hecho esa época sigue influyendo constantemente en cualquier tipo de muestra de la cultura popular de hoy en día.”

¿Crees que la música tiene el poder de cambiar la mentalidad de la gente?

“Estoy completamente seguro de ello. La música habla directamente al alma humana. Algo que tiene el poder de calar tan hondo puede hacer cambiar a las personas.”

¿Crees que esos ideales de paz y amor de los 60 son más importantes que nunca en el mundo a día de hoy?

“Las idea de paz y amor son conceptos realmente nobles y muy importantes, no sólo un slogan de los 60, como mucha gente parece creer. Eso es siempre muy importante, sin tener en cuenta en qué estado se encuentra el mundo hoy en día.”

J.L. Fernandez, 2004. Entrevista completa publicada en el nº375 de la revista Popular 1.

Nuevas promesas del Rock: Entrevista con Silvertide

Por unos momentos, pareció que Silvertide iban a comerse el mundo. Su primer Ep dio lugar a todo tipo de especulaciones, y el hecho de que una banda de Hard Rock compuesta por veinteañeros girase con éxito teloneando a Van Halen o Velvet Revolver supuso una bocanada de aire fresco. Aún se recuerda el show que les robaron a The Darkness en una de las primeras giras de los británicos por nuestro país. Su debut, “Show and tell” se hizo esperar, y finalmente vimos que no era para tanto, pero contactábamos con su cantante Walt Lafty en 2004 para que nos hablara sobre el feliz acontecimiento. Un disco del cual aún estamos esperando continuación.

Cuando Silvertide empezábais a crearos una reputación como banda en directo, la mayoría de vosotros estábais todavía en el instituto, ¿es eso cierto?

“Si, asi es, yo ahora mismo tengo 23 años.”

¿No era inusual entre el resto de chicos de vuestra edad ese interés en el hard rock de los 70’s habiendo crecido en los 90’s?

“Mmmm…en cierto modo si, porque siempre he tenido mucho interés por el pasado y he escuchado mucho los discos que había en casa, la música de la generación de mis padres, pero por otra parte, escucho todo tipo de música, la que ha sido popular estos últimos años, no hago demasiadas distinciones en ese sentido.”

¿Qué influencias teníais cuando decidisteis poner en marcha la banda?

“Muy variadas como podrás imaginarte, pero creo que a todos nos encantaban los Beatles, Pink Floyd, Earth Wind & Fire, y grupos más actuales como Nirvana, no un estilo en particular, sino más bien cualquier cosa que nos pareciese buena música.”

En los 60’s y 70’s la mayoría de músicos de rock tenían interés en investigar a fondo el blues, jazz o la música soul, y eso se está perdiendo hoy en día. ¿Crees que es necesario para un músico tener un buen background?

“Creo que un buen músico nunca deja de explorar, de investigar en todos los estilos. Nosotros escuchamos viejos discos de blues e intentamos aprender de ellos, material de Robert Johnson, Willie Dixon y artistas de ese tipo, y también discos de jazz, por ejemplo, me encanta Miles Davis, su disco “Bitch’s Brew” es uno de mis favoritos.”

¿Tuvisteis dificultades para encajar con una banda de las características de Silvertide?

“No, no lo creo. Teníamos bastante claro lo que queríamos hacer.”

Cuando editasteis ese EP actuasteis en España por primera vez, abriendo para The Darkness, ¿recuerdas aquel concierto?

“Oh, si. Todos tenemos un gran recuerdo de aquel show.”

¿Cómo fue tocar con The Darkness? ¿te gusta el grupo?

“Bueno, me caen bien los chicos de la banda…”

¿Pero te gusta su música?

“Mmmm, no mucho…siendo honesto te diré que tampoco les he dado una oportunidad, asi que seguramente no sea la persona adecuada para hablar sobre su música. Cuando tocamos con ellos sólo había escuchado el que fue el primer single en Estados Unidos “I believe in a thing called love”, pero se que en Europa tuvieron otro single anterior, “Get your hands off my woman, motherfucker” (se ríe mientras recuerda el título de la canción), me gusta esa canción, esa y las demás las escuché en directo, pero no había oído el álbum antes de tocar con ellos.”

Hablemos ahora de vuestro primer álbum “Show and tell”.¿cómo fue el proceso de grabación?

“Nos costó mucho grabarlo, tuvimos incluso peleas en el estudio, hubo momentos felices, momentos duros, momentos de borrachera…(Risas). Fue una experiencia aleccionadora en todos los sentidos. Hubo muchas ilusiones puestas en el disco, se grabó con sangre y lágrimas, y aprecio muchísimo cuando alguien me dice que le ha gustado.”

El productor del disco es Oliver Leiber, que es conocido como productor de discos de pop y ha trabajado con artistas como Paula Abdul. ¿No es Silvertide un tipo de banda demasiado diferente comparándola con los artistas con los que él suele trabajar? ¿por qué le elegisteis como productor?

“Bueno, conocimos a un montón de productores antes que a él, pero en cuanto lo vimos supimos que el era el tipo adecuado para producir el disco. Ha trabajado con artistas muy comerciales, pero es un tipo con el que tuvimos mucha afinidad, un auténtico rockero: está cubierto de tatuajes, le encantan las motos y toca la guitarra como un auténtico hijo de puta (Risas), y además es un tipo realmente divertido, estamos muy contentos con la producción del disco.”

¿Estaríais dispuestos a grabar un tipo de canción más comercial para conseguir atraer la atención de un público más masivo?

“¿Que si grabaríamos un álbum más comercial?”

No me refiero a un álbum entero, sino simplemente un single. Muchas bandas de hard rock de los 80’s lo hacían y funcionaba

“Si, pero la diferencia entre Silvertide y la mayoría de aquellas bandas es que en ese caso lo hacían buscando aparecer en la radio, intentando sonar más en la radio o lo que fuera, y a nosotros no nos preocupa eso. Escribimos el tipo de canción que sentimos en ese momento, y desde luego que no tengo ningún problema con las canciones que tengan estribillos con gancho, con buenos riffs de guitarra…Creo que escribimos nuestros temas de un modo bastante natural, jamás le propondría al resto grabar un tipo de canción para intentar sonar comerciales.”

Hablemos sobre algunas de las canciones de “Show and Tell”. “Devil’s Daughter” parece hablar sobre una relación sentimental, pero has afirmado que en realidad trata sobre la industria de la música. ¿cuál es tu opinión sobre el negocio musical?

“Oh, ahora está mejorando para nosotros (Risas). Sobre todo porque ahora estamos ganando mucha credibilidad, y de ese modo puedes controlar más ciertos aspectos sobre tu carrera. Esa canción habla sobre el mundo de la música cuando entramos en él, y en ese momento estaba realmente desencantado, porque entras esperando encontrarte cierto espacio para poder crear con libertad y crecer como artista, pero te das cuenta de que es muy difícil lograr eso. También tuvimos muchos problemas con la prensa, parecía que todos los periodistas musicales estaban alli para intentar hundir a la banda. Tuve muchas malas experiencias con esos periodistas, que luego publicaban sus artículos y trataban de dejarnos quedar como idiotas. No les pido que les gustemos, pero si que al menos escriban sobre lo que realmente hemos dicho, que nos dejen ser nosotros mismos y simplemente no lo hagan todo más difícil de lo que es.”

Ya que hablamos de la industria musical, parece ser un momento especialmente difícil para dedicarse a esto, las compañías están perdiendo muchísimo dinero con todo el tema de internet y las descargas de música

“No nos preocupa en absoluto. Creo que si grabas un buen disco e interesas a la gente, se comprarán ese álbum. Pero hay que tener mucho cuidado, sobre todo con el artwork de los discos, nosotros tuvimos eso muy claro desde el principio: hay que cuidar tanto el grabar buenas canciones como darle a los fans un buen envoltorio, y todo eso tendrá resultados. Si te refieres a las descargas de música, la mayoría de la gente se baja una sola canción, no el disco entero, asi que si estás en el tipo de banda que sólo graba un tema decente por disco, y que suele coincidir con el single, entonces todo el mundo se bajará esa canción de internet, porque el resto del álbum no vale la pena.”

La siguiente canción de la que me gustaría hablar es “Mary Jane”. ¿Es una glorificación de cierta sustancia ilegal?

“Bueno, simplemente digamos que no trata sobre una chica…(Risas).”

Bueno, si no quieres hablar sobre el tema lo entiendo…

“No, no pasa nada. La canción es una analogía, porque hay mucha gente que no fuma hierba. Cuando escribo, intento que la gente se identifique con mis canciones, y si las letras tienen ese doble sentido creo que llegará a mucha más gente, es decir, por un lado está toda la gente a la que no le gusta la marihuana, pero que conocen a una chica que los está volviendo locos, y entenderán la letra en ese sentido y por otra parte está la gente que fuma, que entenderán el doble sentido de la canción.”

¿Crees que la marihuana debería ser legalizada?

“Si, desde luego. No se cómo serán las leyes en tu país al respecto…”

¿Crees que las drogas son realmente útiles a la hora de crear música?

“No creo que yo sea la persona indicada para responder a esa pregunta, no tengo demasiada experiencia en ese sentido…Seguramente si Kurt Cobain siguiese vivo y le hicieses esa pregunta él te diría que no, porque no creo que a él le hiciesen bien.”

Otra canción importante en el disco es “Foxhole Jesus Christ”, que habla sobre la gente joven de vuestra generación que se está alistando en el ejército

“Si. Esa canción surgió cuando uno de mis mejores amigos se alistó en los marines, es parte de una carta que le escribí intentando convencerle de que no lo hiciera, de que no fuera un imbécil. Creo que es algo increíble estar dispuesto a dar la vida por tu país, en cierto modo me recuerda a la actitud de Jesucristo, dar tu vida por los demás…”

¿Pero crees que vale la pena hacer algo así?

“Espera, de eso quería hablarte. Creo que es admirable tener esa actitud, y que la mayoria de los marines la tienen, pero al menos si vas a morir en una guerra, deberías poder tener la certeza de que esa es una guerra que defiende una causa justa, y yo no creo que la guerra que se está librando ahora mismo en Irak esté siendo por motivos justos, todos esos chicos están siendo engañados y no creo que ninguno pueda estar seguro al cien por cien de que esté dando su vida por una buena causa.”

¿Son tiempos difíciles para la libertad de expresión en América?

“Últimamente la situación se está volviendo incluso peor.”

¿En qué sentido?

“Pues en el sentido de que la mayoría de los sectores están controlados por los republicanos, que están comenzando a censurar e incluso a arrestar a gente que expresa sus ideas libremente, gente que tiene ideas diferentes a las suyas. Y las personas deben tener sus propias ideas, y vivir con vistas al futuro, no al pasado. En este momento se habla mucho de los años cincuenta, como una especie de etapa dorada, y mucha gente vive deseando que vuelva el espíritu de aquella época para nuestro país pero…recuerda qué pasó cuando los cincuenta terminaron…”

¿A qué te refieres?

“A Vietnam…¿entiendes lo que quiero decir?. Las cosas avanzan por un motivo, no se puede volver atrás, y los conservadores están intentando llevarnos de nuevo a los años cincuenta, quieren hacer retroceder al país cuarenta años en el tiempo, y lo están consiguiendo. Y lo peor es que no tengo claro qué es lo que va a pasar en las elecciones de noviembre, tan solo puedo esperar con los dedos cruzados para que Bush  se largue.”

¿Qué tal fue el tour que habéis hecho con Van Halen?

“Increíble, esta ha sido nuestra primera oportunidad de salir de gira actuando en grandes estadios, y fue un tour completo, hicimos unos veintitrés shows con Van Halen. Imaginate lo que es para una banda que empieza salir al escenario y encontrarte de repente con veinticinco mil personas esperando. Además nos lo pasamos muy bien, estuvimos de fiesta durante gran parte del tiempo en esta gira (Risas).”

Después de acompañar a Van Halen en su última gira americana, habéis estado en una fiesta en Cabo Wabo, el bar de Sammy Hagar, el día de su cumpleaños, háblame sobre esa noche

“Hubo mucho tequila (Risas), básicamente eso es lo que recuerdo…fue una gran fiesta, nos divertimos un montón y pudimos conocer a gente alucinante. También estaban invitados artistas como Billy Duffy, Jerry Cantrell o Dave Navarro, que fue con su mujer, Carmen Electra…buena gente, buena música y buena bebida, fue muy divertido estar alli.”

¿Érais fans de Van Halen?

“No hasta que tocamos con ellos. Nunca me había interesado mucho por Van Halen debido a que nunca me gustaron demasiado los grupos con un sonido de guitarra muy elaborado. Pero después de haber hecho esta gira y ver lo increíble que es Eddie Van Halen es cuando realmente puedo apreciar su música como es debido. Sammy también está haciendo un trabajo fantástico, somos fans de Sammy Hagar y nos hemos hecho muy buenos amigos suyos.”

¿Entonces prefieres la etapa de Sammy Hagar a la de David Lee Roth?

“Oh, vaya pregunta…(empieza a reírse de forma nerviosa). Digamos que hay canciones en las que preferimos a Sammy Hagar, y en otras a David Lee Roth. También tocamos en un show de David Lee Roth en solitario, en New Jersey, y si te digo la verdad no creo que esté en tan buena forma como Sammy ahora mismo.”

¿Pudisteis conocerle?

“No,no. Coincidimos, pero no pudimos conocerle.”

Has declarado que en ese tour con Van Halen, vuestros camerinos eran más grandes que la mayoría de escenarios en los que habíais tocado hasta el momento. ¿Cuando os disteis cuenta de lo grande que se estaba volviendo todo lo relacionado con la banda?

“Si, fue una sensación increíble ver aquellos camerinos y tener a nuestra disposición cartones de tabaco y una cantidad enorme de botellas de Jack Daniel’s…cuesta asumir algo asi al principio…”

¿Qué les dirías a todos esos críticos que se empeñan en decir que el rock n’ roll se está muriendo?

“Les diría que no les gusta realmente el rock, porque sigue tan vivo como cuando empezó. Sólo hace falta escuchar un disco de los Rolling Stones para darse cuenta. Si te compras, por ejemplo, el “Exile on Main Street” y lo pones en tu reproductor de cd, te darás cuenta de que sigue vivo.”

Voy a nombrarte una serie de cantantes de rock n’ roll, me gustaría que me dieras una opinión breve sobre cada uno de ellos

“Ok.”

El primero sería Bon Scott

“Poderoso, increíble como cantante.”

Steven Tyler

“Gran cantante, e increíble como frontman.”

Ozzy Osbourne

“¡Ozzy! (Risas). Ahora todo el mundo lo relaciona con su show de “The Osbournes”…el programa es divertido, pero yo prefiero pensar en él al frente de Black Sabbath, ya sabes: “Generals gathered in their masses…” (empieza a cantar “War Pigs” imitando la voz de Ozzy) (Risas), me gusta mucho Ozzy.”

Ian Atsbury

“Oh, qué puedo decir…”

¿Te gustaban The Cult?

“Si, desde luego. Ian Atsbury es muy difícil de superar como cantante.”

El siguiente sería Axl Rose

“Axl Rose…genial cuando estaba al frente de Guns N’ Roses, pero para mi gusto ahora se ha vuelto un idiota. ¿Cuando saldrá ese gran disco? Nunca (Risas).”

El último es Chris Robinson

“Wow, Chris Robinson…sólo le he visto en directo con su nueva banda.”

¿Te gusta lo que está haciendo en solitario?

“Me recuerda a John Lennon y también a Grateful Dead, supongo que quiere acercarse a ese tipo de sonido.”

¿Qué es lo mejor y lo peor de estar en una banda de rock n’ roll?

“Lo mejor es que a cualquier sitio donde vaya puedo beber gratis (Risas). Lo peor serían los registros constantes al ir de un aeropuerto a otro por todo el mundo.”

-PERFIL

.NOMBRE: Silvertide

.PROCEDENCIA: Philadelphia (USA)

.ESTILO: Hard  Rock

.INFLUENCIAS: The Black Crowes, Aerosmith, The Rolling Stones, Led Zeppelin

.UN DISCO: “Show and tell” (2004)

.UNA CANCIÓN: “Ain’t coming home” (incluída en “Show and tell”)

J.L. Fernandez, 2004. Entrevista completa publicada en el nº375 de la revista Popular 1.

Entrevista con… John Garcia (Kyuss, Hermano), 2006

Mientras que en su país Hermano siguen siendo totalmente underground, parece que la banda de John García ha encontrado un oasis en Europa. Así lo demuestra “The sweet and easy of brief happiness”, un DVD en directo que documenta, mediante jugoso material extra en forma de documental, la gira europea de “Dare I say…”. El propio García nos atiende para hablar sobre el lanzamiento y sus nuevos planes, y la verdad es que siempre es un placer volver a charlar con alguien tan humilde. Pero es que además, se han vuelto a disparar los rumores acerca de una posible reunión de Kyuss, tras compartir escenario con Josh Homme en Los Angeles hace algunos meses y con Nick Oliveri el año pasado.

El lanzamiento de DVDs en directo por parte de todo tipo de bandas está siendo apabullante en los últimos tiempos. Se empieza a cuestionar la validez del clásico formato de álbum en directo. ¿Crees que acabará por desaparecer ante algo tan completo como lo que ofrece el DVD?

“Mmmmmmm, yo creo que no. Creo que, como dices, el DVD es más completo, puedo verlo tranquilamente en el sofá de casa y ver a los artistas, y a continuación una entrevista o clips musicales… pero no es lo mismo que un buen álbum en directo. Porque a mi por lo menos, no siempre me gusta ver al músico, a veces sólo quiero escucharle, o llevar ese directo en mi coche. No, no creo que el DVD vaya a reemplazar a los live albums”.

¿Por qué crees que Hermano tenéis más éxito en Europa que en América?

“No tengo ni idea. Es muy curioso, porque creo que pasa algo parecido con casi todas las bandas underground americanas. En Europa nos va mejor, y lleva años sucediendo. Mira, cuando Scott Reeder se unió a Kyuss, no paraba de decirme que Kyuss debíamos ir a Europa, pero yo no le daba mucha importancia. Pero era continuamente “Debemos descansar de Estados Unidos e ir a Europa. Debemos ir a Alemania, a Francia, a España, a…”, asi una y otra vez, hasta que un día le pregunté porqué, y me dijo que todas las bandas que eran pequeñas en USA, llegaban a Europa y se encontraban con buenas audiencias, que crecían más y más con cada visita, y que eran realmente fieles. Y cuando fuimos lo entendí perfectamente, y con Hermano tuve claro desde el principio que íbamos a cuidar especialmente ese aspecto”.

“Only a suggestion” era un disco más denso, “Dare I say…” mucho más directo… ¿qué tónica va a seguir el nuevo trabajo de Hermano?

“¿Sabes? no nos lo planteamos. Es divertido, porque cuando los chicos me envían nuevas composiciones, siempre es como pintar un bello cuadro, imaginar posibilidades para esos esbozos de canciones, y nunca sabemos la forma que acarán tomando. A mi me gusta hacer cosas distintas, con distintos músicos, incluso medios tiempos. Pero con Hermano, quiero Rock potente, que hecho de menos en mi vida diaria. Porque me encanta subirme al escenario con estos tipos y tocar música dura y Heavy, y ver las caras de satisfacción de la gente, porque se que es lo que quieren escuchar. Heavy, Death Metal, Speed Metal… no veo diferencias, para mi todo es Rock n’ Roll. Stoner Rock, Desert Rock… no veo diferencias entre estilos, llámalo cómo quieras. Ya sabes, yo vivo en el desierto: son las 8.30 de la mañana y ya tenemos casi 30 grados. Como podrás imaginar, es el lugar perfecto para sentarte en casa, abrir las cortinas y ver el hermoso desierto, que al contrario de lo que se cree está lleno de vida. Sentir el calor, la vegetación, imaginar los animales con los que comparto este lugar, y dejar que todo eso me influencie. Por eso sólo puedo ver mi música desde un prisma: Rock n’ Roll que nace del desierto, nada más. No se que dirección va a tomar mi música ahora, lo que yo hago es ésto, asi que no esperes grandes sorpresas”.

En la primera entrevista que nos concediste, hablabas de un futuro álbum en solitario. En otra realizada varios meses después, confirmabas que el proyecto seguía en marcha. ¿Como está el asunto?

“Llevo tiempo, y tiempo, y tiempo trabajando en él (Risas). Le falta poco para estar listo”.

Cuéntanos un poco sobre los motivos para grabar dicho álbum y su demora. También nos decías que había varios artistas invitados en el disco. ¿Puedes revelarnos de quién se trata?

“Es que es un disco complicado, y a mi no me sobra el tiempo precisamente. Contactar con todos esos artistas, buscar fechas que coincidan e irles metiendo en el estudio es algo que tarda mucho tiempo. Todas las canciones están escritas, y muchas partes ya están grabadas. Sólo falta terminarlas en el estudio con todos los músicos que yo creo que encajan en cada una. Gente como Ed Mundell, de Monster Magnet, Danko Jones, incluso Dave Angstrom de Hermano, quiero que esté ahi, Rick Mullins de Karma to Burn… Es un trabajo duro el hecho de poder contar con ellos y tener qué decidir en qué momento del disco quiero que toquen. Pero con algo de paciencia estoy seguro de que va a ser un buen disco. Con constancia y sacrificio espero que pueda estar en la calle el año que viene. Estoy dando lo mejor de mi mismo, y prefiero tardar cinco años en sacar adelante un buen disco, que hacer uno malo en menos tiempo”.

Hasta ahora no hemos visto demasiados cambios en tu música ni en tu forma de cantar. Imagino que tratándose de un álbum en solitario, querrás probar cosas diferentes

“Va a ser un disco con un sonido muy Hard Rock, yo diría incluso Heavy, pero tendrá momentos más calmados, voy a experimentar con algunos temas lentos. De todos modos, lo que me lleva a grabarlo no es probar otros sonidos, sino hacer un álbum en el que yo compongo toda la música y letra. Porque estas son canciones en las que llevo trabajando desde que tenía dieciocho años, antes de unirme a Kyuss. Me ha llevado tantísimo tiempo terminarlas… Para serte honesto, esa es la razón por la que me tomó tan en serio el publicar un buen disco en solitario, más que ninguna otra cosa, y me tomaré el tiempo que sea necesario”.

Volviendo al nuevo DVD, viendo la parte de las entrevistas, declaras que ahora mismo es mucho más difícil para ti salir de gira, al tener que separarte de tu familia. En cierto modo, estás atrapado entre esos dos mundos: la calidez del hogar y la oscuridad de la vida de un músico de Rock. ¿Cómo afrontas esa situación?

“Asi es como me siento: por una parte tengo mi vida aqui, con mi hija de dos años y una mujer preciosa, y mi pedazo de tierra en medio de este desierto… tengo el cariño, un sitio que me llena de inspiración y un trabajo que me tiene ocupado todo el día. Además California es un lugar precioso, puedo coger el coche y llegar pronto a la playa o al centro de la ciudad… entonces a veces me pregunto qué es lo que me impulsa a hacer un viaje en avión y meterme en un bus con estos chicos durante varias semanas… y la respuesta no la tengo muy clara… por una parte llevo el Rock dentro, necesito experimentar ese subidón de estar sobre el escenario, haciendo disfrutar a la gente.  Antes era joven, vivía para esto, pero ahora cada vez es más duro. Porque debería estar claro que no estoy en esto por el dinero. El dinero lo gano con mi trabajo en la clínica veterinaria, estoy en esto únicamente por los fans. Y cuando vuelvo del trabajo, se que tengo ahi a mi familia, me muero de ilusión por volver a ver a mi mujer y mi hija cuando llego a casa cada día, y en los tours, inevitablemente me siento lejos de casa. ¿Sabes qué es lo que lo hace mejor? que no hago como otros grupos, giras promocionales de ocho meses, como solía hacer. Ahora me lo tomo como unas vacaciones que me ayudan a desconectar, y como mucho me voy de gira tres semanas o un mes en todo el año. Y no me entiendas mal, cuando se acercan las fechas me muero de ganas de que llegue ese momento, pero porque es simplemente una forma de divertirme”.

Colaboras con Danko Jones en el tema “Invisible” de su último trabajo

“Gran, gran tipo. No nos conocíamos aún en persona, sólo de hablar por teléfono, enviarnos canciones por internet, etc. Hasta que tocó en el House of Blues, fui al show y nos convertimos en grandes amigos”

Recientemente te uniste a Josh Homme durante un concierto de Queens of the Stone Age para interpretar un par de temas de Kyuss. Tienes que entender que algo así alimenta todas las esperanzas de reunión que tienen los fans, que son muchas

“No lo veo como nada especial, simplemente me divertí en el escenario con mi amigo. Estaba en el trabajo y Josh me llamó. Me dijo “¿Te hace pasarte por Los Angeles y tocar conmigo?” y yo le dije “Claro, me llevo la guitarra y podemos tocar en la parte de atrás de tu casa, junto a la piscina” (Risas). Y me dijo que no, que se refería al concierto que daban Queens of the Stone Age en directo. Y fue genial, tocamos “One inch man” y otro tema más, y tenia miedo de que se me olvidasen las letras, pero creo que fue muy bien. Como volver a montar en bici (Risas)“.

¿Será la última vez que estéis juntos en escena Josh y tú?

“Espero que no… Ok, vamos allá (Risas). Me gustaría ser claro al respecto: me encantaría hacer unos cuantos shows con Kyuss, pero la única persona que tiene que decir “Ok, hagámoslo”, es Josh, porque yo aceptaría sin ningún problema, y estoy seguro de que el resto también”.

El gran interrogante de esa reunión sería la formación. ¿Nick Oliveri o Scott Reeder? ¿Brant Bjork o Alfredo Hernández?

“Quien sabe… si, ya he pensado en eso muchas veces, habría que encontrar una solución. Aunque… ¿por qué no con los cuatro? o con la formación original… no lo se, a ver como evolucionan las cosas”.

Me gustaría preguntarte acerca de tu relación con tus ex-compañeros en Kyuss. En “Dare I say…” había un tema dedicado a Brant Bjork

“Si, porque le considero mi amigo, y seguimos hablando muy a menudo. Me siento muy cercano a todos ellos: Josh, Nick, Brant, Scott, Alfredo… los llevo siempre en el corazón”.

Del que no hemos sabido mucho es de Scott Reeder, ¿cómo le van las cosas?

“Toca en un grupo llamado Butcher, con la mujer de Adam, el guitarrista de Tool, puedes echar un vistazo a la web del grupo, que es www.butcherband.com. Además grabó un disco en solitario, que salió a través del sello Liquor and Poker. No se si están girando ahora mismo o no, pero Scott está muy bien”.

Respecto a Nick Oliveri, coincidisteis en Festimad el año pasado, y también tocásteis un par de temas juntos. ¿Cómo te sentiste en aquellos momentos?

“Fantástico, Nick es uno de mis grandes amigos en el negocio, y me alegré mucho cuando supe que ibamos a estar ambos en el festival. Fue genial volverle a ver, muy divertido”.

Se dice que hay bastante mala sangre entre él y Josh Homme

“La verdad, no tengo ni idea… eso sólo lo pueden aclarar él o Josh”.

¿Qué hay de Unida? ¿aún existe el grupo?

“Mmmmmm, Unida está en una posición… ni estamos juntos ni nos hemos separado, no se si me entiendes. Todo depende de como vayan las cosas en el futuro. No pienso nunca en llamar a estos tios y reunirnos, pero por otra parte, el grupo no está muerto. Ya veremos…”.

El debut de Unida, “Copying with the urban coyote”, me parece fantástico. La potencia de las guitarras me recuerda en cierto modo a The Cult

“Fuck yeah. Muchas gracias”.

Vuestro segundo trabajo, producido por Rick Rubin, nunca fue publicado. ¿Fue lo que te hizo querer apartarte de los sellos discográficos convencionales?

“Bueno, fue muy duro porque había mucho trabajo tras ese disco, y creíamos en él. Me hizo darme cuenta de que la música es un negocio, y como todos los negocios, no siempre resulta. Y yo hago las cosas a mi manera y para mi no es sólo un negocio. Ahora Hermano estamos en una posición muy cómoda: hacemos lo que queremos cuando queremos, y no necesitamos la opinión de nadie ajeno al grupo para tomar una decisión”.

¿Qué piensas del llamado “Stoner Rock” del que en teoría Kyuss fuisteis pioneros?

“Yo no creo que Kyuss fuésemos pioneros de nada, pero de todos modos me ha beneficiado. Por ello, cuando alguien dice que Hermano hacemos “stoner rock”, o que Kyuss empezamos ésto o aquello, pues me parece bien, ningún problema con ello. “Desert rock”, lo que sea. Si me quieren aceptar como parte de esa escena, estoy orgulloso de serlo, porque hay grandes bandas ahi fuera. Lo que ya no tengo muy claro es si ésto empezó con Kyuss o con lo que hemos estado haciendo los miembros de Kyuss durante estos años: Slo Burn y Unida, Brant Bjork & the Bros., Queens of the stone Age, Yawning Man, que es la banda de Alfredo… todos han contribuido, y también bandas que llevan muchos años, como Fu Manchu. Es una escena cool”.

¿Puedo preguntarte acerca de tus orígenes latinos?

“Sin problema. Mi padre es mexicano, y mi madre es medio alemana y medio polaca, pero yo nací aqui”.

Imagino que habrás estado en contacto con la música latina durante tu infancia

“Desde luego. Además, probablemente se escuche más música latina en todo el área de California y en Arizona, que en el propio Mexico. Toda esa cultura tex-mex me resulta muy interesante, y es ya parte de la propia cultura estadounidense, porque en cada zona, ya sea California o el sur de Texas, toda esa música se está mezclando y evolucionando, lejos de su país de origen, y eso es fascinante”.

¿Qué sueles escuchar cuando estás en casa?

“Pues últimamente estuve escuchando a Gorrilaz bastante, algo de R&B moderno, y también me está gustando el disco de Wolfmother. ¿Les conoces?”.

Desde luego, son de lo más prometedor que ha salido este año

“¿Sabes? Me sorprende que estén teniendo tanto éxito. Porque conozco a tantas y tantas bandas que suenan asi que… no lo entiendo. ¿En qué categoría sitúas a Wolfmother? ¿Dirías que es una banda de Rock? ¿Stoner quizá?”.

Tienen muchas influencias: de Led Zeppelin a Mars Volta, incluso Kyuss

“Bien, pues yo conozco a decenas de bandas igual de buenas que ellos, y con el mismo sonido, como Dixie Witch. Y Dixie Witch llevan muchos más años y no han tenido ni por asomo su nivel de éxito. ¿Por qué? pues porque Wolfmother acaban de firmar con Interscope Records. Pues eso me jode, tio, que Dixie Witch se tengan que partir el culo girando sin conseguir reconocimiento, y que llegue una banda de chicos australianos con el mismo sonido e impresionen a todo el mundo. Todo por Interscope, un gran sello, ahi están Marilyn Manson, junto a Queens of the stone age y Gwen Stefani, ¡las radios lo pondrán sin importar el estilo!. Yo creo que si Interscope firmase con un artista de Folk rural, vendería millones igualmente. Seamos serios por favor, el éxito de Wolfmother, pese a que me guste la banda, es solo el ejemplo de lo que pasa cuando un gran sello se pone detrás tuya y gasta toneladas de dinero para saturar las radios de todo el país. Qué coño… para mi Dixie Witch son igual de buenos, y se merecen ese éxito más que Wolfmother. Y no tengo nada en contra de ellos, a mi mujer le encantan y los escuchamos mucho, son una buena banda y está bien que no todo sea Pop en las listas, pero no creo que hayan trabajado tan duro como otros para conseguirlo”.

J.L. Fernandez, 2006. Entrevista completa publicada en el nº398 de la revista Popular 1.

Los “tapados” de 2009

Éste 2009 no ha sido, musicalmente hablando, un año especialmente fructífero. Varios han sido los discos largamente esperados, y que han terminado resultando decepcionantes. Pero seamos optimistas, y centrémonos en lo que vale la pena. Tres trabajos, recién salidos del horno, y que han pasado totalmente desapercibidos entre crítica y público. ¿Por qué? Quizá porque suponen la resurrección de tres bandas que llevaban una larga temporada en standby, y por las que nadie daba un duro. “The Great American Bubble Factory” de Drivin’ N’ Cryin’, “Destroy the war machine” de Warrior Soul, y “Use once and destroy” de Rock City Angels son los tapados de 2009.

El de Drivin’ N’ Cryin’ es un caso curioso. Nunca han sido populares en Europa (la escasa asistencia a su gira de hace un par de años por nuestras tierras así lo demuestra), pero en su Georgia natal son toda una institución. Su líder, Kevn Kinney, puede contar con la colaboración de miembros de R.E.M. o de gente como Warren Haynes para sus discos en solitario con sólo pedírselo, y sin embargo es incapaz de enterrar a la banda de su vida. “The great american bubble factory” es un disco eufórico. Hace tiempo que Kinney decidió dejar el Folk y el Country para sus trabajos en solitario, y centrarse con la banda en su lado más rockero. Su voz no está en las mejores circunstancias (recientemente le operaron de las cuerdas vocales y a punto estuvo de perder la voz), pero canta cada canción como si fuese la última, consciente de que quizá no quede futuro para Drivin’ N’ Cryin’. Las guitarras suenan feroces en la inicial “Detroit city”. Con su versión de “I stand tall” de los Dictators parecen reclamar un trono que nunca fue suyo, y por si fuera poco nos ofrecen joyas como “I see Georgia” o “Mid-western Blues”, cuya combinación de melancolía y romanticismo podría pertenecer a los R.E.M. de los 80. Bienvenidos de nuevo, y que no pase tanto tiempo hasta el próximo disco.

Y qué decir a estas alturas de Kory Clarke… Los tiempos de “Spage age playboys” parecen ya muy lejanos, y no podemos decir que Kory sea el tipo más trabajador del mundo. Pero ha decidido desenterrar a Warrior Soul entre la indiferencia general, y su nuevo trabajo es sencillamente aplastante. Sólo a un suicida como él podía habérsele ocurrido la idiotez de titularlo provisionalmente “Chinese democracy” y filtrarlo a la red (los abogados de Axl impidieron que saliera al mercado con dicho título), y para colmo de males, ¡coincidiendo con la salida oficial del auténtico “Chinese democracy”!. Un año de disputas legales después, ya está en el mercado bajo el nombre de “Destroy the war machine”, y para mi gusto, está a la altura de cualquiera de sus anteriores trabajos. “Fuck the pigs”, “The Fourth Reich” o la increíble versión de Iggy y James Williamson que se marcan, son algunos de los momentos más correosos del año que dejamos atrás. Justo lo que necesitábamos para despedir una década en la que el Rock parece haber perdido el peligro que siempre lo caracterizó.

En cuanto a Rock City Angels, su regreso ha sido el más inesperado de todos. Bobby Durango no es precisamente alguien fiable, los problemas le persiguen, y lleva la palabra “perdedor” escrita en la frente. Para colmo de males, su banda jamás ha tenido éxito. Pero al igual que sucede con Steven Tyler, David Johansen o Mick Jagger, no puedes imaginarte a Bobby Durango ejerciendo un trabajo normal y currando en una gasolinera. Ha nacido para esto, y su futuro es vaciarse en el escenarios escupiendo rock n’ roll, ya sea en un gran escenario o en el peor de los tugurios. Si por algo van a ser citados o recordados, es porque en su día el mismísimo Johnny Depp militó en la formación, y no parece un motivo de peso para redimirles. No, entre los motivos de esta reunión no figuran los económicos, sino el demostrar que fueron (son) una gran banda. Y eso queda claro cuando escuchas sus nuevas canciones, para mi gusto, lo mejor que han grabado jamás. Nunca he entendido la fascinación de algunos aficionados al Hard Rock por su ¿clásico? álbum “Young man’s blues”. OK, ahí había algunos grandes temas (“Hard to hold”, “Hush child”, “Deep inside my heart”) pero también la peor versión de Otis Redding conocida por el ser humano, y bastantes temas mediocres. Mucho se ha hablado de las supuestas jugarretas de su compañía para defenestrar al grupo en favor de los recién fichados Guns N’ Roses, pero siempre me ha parecido la típica leyenda urbana típica del mundillo. ¿”Young man’s blues” una amenaza para los primeros Guns?. ¡Imposible!… Pero con el tiempo uno llega a cogerle cariño a un disco como ése, y se da cuenta de que quizá no fueran grandes intérpretes ni compositores, pero eran reales, y no cuatro imberbes jugando a ser Mötley Crüe (¿he oído por ahí Hardcore Superstar? ¿Last Vegas quizá?). Pues bien, el tiempo les ha dado la razón y por fin han grabado un disco a la altura de las circunstancias. Decadente, atropellado, irreflexivo… como debe ser. No les demos por muertos todavía.

The Black Crowes -Before the frost… until the freeze- 2009

Los tiempos en que las discográficas controlaban la carrera de los de Atlanta han terminado. Y lo cierto es que, desde que estrenaron su propio sello, Silver Arrow Records, parecen dispuestos a colmar de material nuevo a sus seguidores. En los poco más de tres años que han seguido a su reunión el balance es abrumador. A su exitoso álbum de estudio, debemos sumar dos dobles en directo, uno de los cuales venía acompañado de su correspondiente edición en dvd, más dos discos dobles más, uno de rarezas, y el otro, un directo acústico de los hermanos Robinson. La mesura parece no estar en el diccionario de la banda, y cuando apenas ha transcurrido un año de “Warpaint”, sorprenden dando uno de los pasos más arriesgados de su trayectoria, entregando un nuevo disco en estudio. Un trabajo doble, aunque sólo en su edición en vinilo, ya que los que opten por el cd deberán conformarse con la descarga del segundo compacto a través de un código.

Los Crowes presumen de audacia e independencia, pero tal y como sucede en el mundo del cine, la versión del director de cualquiera de nuestras películas favoritas no tiene por qué ser, ni mucho menos, la mejor de las existentes. La pregunta que deberíamos hacernos es: ¿son los propios artistas los mejor capacitados para decidir hasta el último detalle de cada uno de sus lanzamientos?. O dicho de otro modo, ¿son álbumes como “By your side” y “Lions” (donde ellos afirman haber estado más coaccionados que nunca) tan fallidos, y “Warpaint” tan bueno?. La pregunta queda en el aire, y es que el de la autoedición supone uno de los mayores debates a los que, con seguridad,se enfrentará el mundo de la música en años venideros.

Pero ciñámonos a su contenido. Los Crowes se encierran durante un par de semanas en el estudio que Levon Helm posee en las montañas de Woodstock, New York, y graban sus nuevos temas totalmente en directo, en frente de una audiencia que jalea a la banda incansablemente. El resultado se compone de diecinueve canciones nuevas, más una versión de Stephen Stills (“So many times”), demostrando que, más allá de la cover facilona de turno, siguen siendo unos incansables buscadores de tesoros musicales con los que sorprender a su audiencia.

Esta nueva encarnación de los Cuervos es notablemente más rockera que la que se dejó ver en “Warpaint”, pero, pese a todo, es inevitable sentir que algo se ha perdido por el camino. Ya no estamos ante aquellos jovenzuelos deudores de Humble Pie y los Faces que daban el campanazo con “Shake your Money maker”. Mientras que aquellos Crowes, rebosantes de urgencia y espontaneidad, basaban su material sobre todo en una visión del Rock procedente de bandas británicas, los hermanos Robinson parecen culminar, en este disco, su particular proceso de “americanización”, apoyándose en guitarras acústicas para que estas sirvan como puerta a la entrada del Folk, el Country, el Blues, y demás estilos que conforman el rico patrimonio musical estadounidense. En ese sentido, los títulos de las canciones (“Appaloosa”, “Houston don’t dream about me”, “Roll Old Jeremiah”) no dejan lugar a dudas, y según la visión del propio Chris Robinson, se trata de un viaje por las viejas carreteras secundarias de la América más rústica y desconocida.

El trabajo se inicia a ritmo de honky tonk con el juguetón piano que abre “Good morning Captain”, un tema festivo que evidencia que su reciente amistad con Levon Helm parece haberles inspirado más de la cuenta, y es que en este corte los Crowes se transmutan en una suerte de The Band del siglo XXI, iniciando la función con buenas vibraciones. “Been a long time (Waiting on love)”, con los cortantes riffs de Rich Robinson y su ritmo machacón, es uno de esos cortes netamente rockeros que tanto se echaban de menos en su anterior obra, al igual que “A train still makes a lonely sound” (precioso título), donde el mayor de los Robinson se desgañita como antaño, y que conforman, junto con la zeppeliana “Kept my soul”, lo más potente del trabajo.

El corte de adelanto, “I ain’t hiding”, es para darle de comer aparte. Desde que se filtrase en la red como primer single ha levantado una gran polémica entre sus fans, y no es para menos, ya que los ritmos Disco eran a priori algo impensable en una banda tan cercana a la tradición. Pero lo cierto es que lo enfocan como un homenaje a lo que hacían bandas como los Stones (viene a ser su “Undercover of the night” particular) o Kiss a finales de los 70, coqueteando con el funk y los ritmos discotequeros. Sin poseer la calidad de una “Miss you” o una “I was made for loving you”, el rockero estribillo encaja a la perfección, y no hay duda de que se trata de un buen tema.

Como era de esperar, también encontramos aquí el lado más sensible de la banda, especialmente en la bellísima balada 100% sureña “Appaloosa”, que nos puede recordar a “Oh Josephine”, en uno de esos registros en los que Chris Robinson se mueve como pez en el agua, al igual que sucede en la emocionante “Houston don’t dream about me”. Caso aparte es el de “What is home”, donde entran de lleno en el mundo del Country, a ritmo de mandolina y pedal steel, y que si bien viene a significar un nuevo paso adelante en su incursión en los sonidos tradicionales, en la opinión del abajo firmante, no es en estos terrenos donde la formación obtiene sus mejores resultados.

Cuando la audición termina, resulta obvio que los Crowes han captado perfectamente el espíritu de los mejores álbumes dobles de tiempos pasados, llaménse éstos “The river”, “Blonde on blonde”, “Exile on main street”, o cualquier otro que tengáis en mente. Sin pretender igualarlos (ésta banda no está en el excepcional momento compositivo de los autores de los trabajos citados), pero con las agallas suficientes para reinventarse y ofrecer lo mejor de sí mismos. Compensando cierta irregularidad de algunos momentos con la entrega de una avalancha de material, que conforma una obra de lo más compacta, y a la que se hace difícil poner algún pero.

Una evolución, que como siempre ha sucedido con los de Atlanta, continúa disco a disco, y eso sólo puede ser admirable. Podemos discutir durante horas si preferimos a estos Crowes o a los de hace diez años, pero es bastante probable que, cuando hayamos llegado a una conclusión, ellos ya hayan vuelto a cambiar y a fijarse un objetivo todavía más arriesgado. Siempre han ido un paso por delante y, a día de hoy, todavía no han publicado ese disco que les haga caer del pedestal en que los tenemos.

J.L. Fernandez, 2009. Publicado en el nº431 de la revista Popular 1.

Stevie Wonder, el visionario

Es curioso como el devenir de ciertas carreras embarra de prejuicios la percepción general sobre determinados artistas. Para mucha gente, a raíz de sus empalagosos hits de los 80 y su éxito masivo, Stevie Wonder figura en el museo de los horrores discográficos, bien cerca de Sting, Phil Collins, Elton John y demás. Muy pocos recuerdan el valor de su discografía 70s, y es que en esos años, la figura de Stevie fue tan revolucionaria como la de Curtis Mayfield, Sly Stone o Marvin Gaye. Entre 1972-1976, su aportación a la música popular fue apabullante. Ningún aficionado al Soul debería perderse clásicos como “Music of my mind”, “Talking book”, “Songs in the key of life”, o el que nos ocupa, quizá su trabajo más completo.

La valentía de Marvin Gaye al desafiar a Motown con “What’s going on”, abrió la caja de Pandora. Las estrellas del Soul también podían ser autores en el sentido más godardiano de la acepción. Cómo los únicos representantes de la América negra con repercusión internacional, era casi traición a su pueblo no llevar su voz y sus reivindicaciones al resto del mundo. Motown se impregnó de pinturas de guerra revolucionarias (¡hasta las Supremes se apuntaron al carro de la reivindicación social!), y con ello se resquebrajaron los cimientos del imperio de Berry Gordy.

Stevie Wonder se hizo un nombre como precoz genio de doce años en Motown, firmando singles de gran éxito como  “Fingertips”, pero estaba claro que el suyo era un talento a punto de explotar en mil direcciones diferentes.  Gordy ejerció de tutor monetario durante aquellos años, y cuando Stevie cumplió la mayoría de edad, el capitoste de Motown le pagó la mísera cantidad de un millón de dólares, cuando las ganancias obtenidas por el sello con sus composiciones habían sido diez veces mayores. Fue posiblemente ese el momento en el que decidió que nadie volvería a decidir por él jamás.  “Innervisions” es un disco combativo y rompedor, que habla, fundamentalmente, del fin del sueño que representaron los 60 en América. En apenas cuarenta minutos, Wonder narra con intensidad, y sin afectación alguna, el clima de confusión reinante en su país, y las condiciones de vida de la juventud negra de la época. Drogas, disturbios violentos, caos urbano, espiritualidad mística, multiculturalidad, desigualdades económicas y raciales… todas van de la mano en un trabajo apasionante.

Aquí encontramos dos de sus mejores temas, “Living for the city” y “Higher ground”. La primera, épica y desgarrada, narra en ocho minutos la vida de un adolescente de color desde su nacimiento en el profundo Mississippi hasta su llegada al ghetto de una gran ciudad. La segunda viene a ser una profundización en su lado más Funk (el que ya le convirtiera en una estrella con “Superstition”), y que denuncia el estado de ánimo de una nación que había perdido la fe en el sistema (“powers, keep on lyin’/soldier, keep on dyin’), y que todos conocimos a raíz de la versión que Red Hot Chili Peppers realizarían años más tarde.

Sin duda su experiencia en Motown, una compañía famosa por haber aplicado el sistema de producción de las cadenas de montaje de la industria automovilística al negocio de la música, le sirvió al genio invidente para articular con precisión un conjunto en el que no sobra ni una nota. Es sorprendente cómo enarbola la bandera del black power por medio de la espiritualidad que siempre ha caracterizado a su pueblo, llegando aquí a niveles casi etéreos en “Jesus children of America” o “Visions”. Un contraste entre dureza y sensibilidad al alcance de muy pocos, que posibilita que, más de treinta años después, su fórmula siga resultando fresca y atrayente. Un disco que cualquier aficionado al Soul debería tener en su estantería. Un auténtico clásico de la música negra.

Blackberry Smoke, por primera vez en España

Promete ser una velada histórica. Blackberry Smoke no es una más de esas bandas que se recorren las salas europeas ofreciendo shows simplemente correctos. Blackberry Smoke tienen madera de auténticas estrellas. Su Southern Rock duro y correoso bebe tanto de clásicos como Lynyrd Skynyrd (a los que han teloneado en su última gira) como de los maravillosos The Four Horsemen. Y un viejo amigo, nada menos que Chris Robinson, el líder de The Black Crowes, fue el encargado de bautizar a la formación.

Si queréis saber algo más sobre la particular filosofía de vida de estos sureños locos (alcohol, mujeres, y armas de fuego, básicamente), podéis leer aquí la entrevista que hice a su cantante Charlie Starr en 2005. En aquellos momentos, los de Atlanta publicaban su primer trabajo tras mil y una penurias. “Bad luck ain’t no crime” era un buen debut, pero lo que han logrado con su reciente “Little piece of dixie” es simplemente sensacional. Recuperando alguna que otra vieja canción, como “Sanctified woman”, pero sonando ésta vez con una producción de lujo. Uno de los grandes trabajos de este 2009. Que nadie se los pierda, por Dios.

Blackberry Smoke actuarán en España durante el mes de Diciembre. El día 10 en Barcelona (Razz 3), 11 Valencia (Durango), 12 Alicante (Stereo), 13 Granada (Telonera), 14 Badajoz (Mercantil), 16 Madrid (Gruta 77), 17 A Coruña (Mardi Gras), 18 Gijón (Dom Pedro), 19 Bilbao (Azkena)

Entrevista con… Allison Moorer

A día de hoy, Allison Moorer es una reputada intérprete de Country Rock, y ya nos ha visitado varias veces en compañía de Steve Earle, con quien contrajo matrimonio en 2006. La presente entrevista se realizó un par de años antes y tuvo como motivo la presentación de “The Duel”, un disco que la alejaba del Country tradicional y que marcaba una nueva etapa en su carrera. En aquellos momentos Allison se encontraba de gira precisamente junto a su futuro marido, y nos atendía desde la habitación del hotel.

 

“The duel” es tu disco más rockero…

“Sí, puedes decirlo asi si quieres… lo que pasa es que por lo general no me gusta poner ese tipo de etiquetas a mi música, porque como artista creo que es una forma de limitar mucho las cosas. No grabo un álbum teniendo una visión tan clara de adonde quiero llegar o qué tipo de sonido en particular quiero conseguir. Pero es posible, si lo comparamos con mis anteriores trabajos. Quizá el primero se centraba más en el country, pero creo que ya en el segundo álbum empecé a alejarme de lo que podríamos llamar country tradicional, y en “The duel” simplemente continúo esa evolución.”

¿Como está siendo la respuesta del público hacia las nuevas canciones?

“Oh, está siendo genial. Quizá las letras de este último álbum tengan una parte emocional más acentuada que nunca, y creo que pueden llegar al público de una forma muy directa, y debe ser por eso que la reacción ante los temas nuevos esté resultando tan positiva. Están siendo unos shows muy intensos.”

¿Cómo es tocar con Steve Earle? ¿eras seguidora de su música?

“Desde luego, siempre me he considerado fan suya, desde que su primer álbum, “Guitar Town”, salió a la venta. Yo era muy joven entonces, estaba en plena adolescencia, y ese disco me marcó de una forma muy especial, porque antes de escuchar “Guitar Town” nunca me había interesado especialmente por la música country, y de hecho me resultaba algo bastante ajeno, y ese disco de Steve fue muy importante en ese sentido. Además, Steve Earle siempre ha sido un modelo a seguir para mi; su música es especialmente real, te llega muy adentro, y es un artista realmente honesto, amo sus canciones y su forma de interpretarlas.”

Imagino que la situación para él ahora mismo debe ser muy complicada, debido al clima que se respira en tu país y a las letras de su último trabajo

“Si, ha tenido muchos problemas y es algo lamentable. Él simplemente es alguien honesto, que no teme decir lo que piensa.”

Volviendo a tu último disco, ¿cuáles son las canciones de las que te sientes más orgullosa?

“Me gustan todas por igual, sería imposible elegir. Siempre intento concebir mis discos como una unidad, no como un conjunto de canciones.”

¿Has escrito unas letras más autobiográficas que en otras ocasiones?

“Mis letras siempre han tenido un fuerte componente autobiográfico, aunque también parte de ficción.”

¿Te consideras una songwriter?

“Bueno, escribo canciones, asi que supongo que es lo que soy (Risas).”

¿Cuales son los que más te han influenciado?

“Mmmm…mi favorito siempre ha sido Kris Kristofferson. También me gustan mucho Randy Newman, Steve Earle, Willie Nelson…podría seguir diciendo nombres durante horas, pero esos serían mis favoritos desde siempre.”

En varias ocasiones te has declarado una gran fan de Keith Richards

“Oh si, le adoro. A él y a su música, la considero una fuerte influencia para mi como artista country. Es curioso, porque aunque Keith sea británico, es uno de los mejores músicos de country de los últimos años, mejor que muchos músicos americanos que tocan ese estilo de música.”

Naciste y te criaste en Alabama, ¿en qué medida dirías que te influyó haber crecido en un lugar con una tradición musical tan arraigada?

“Supongo que tuvo bastante importancia, no tanto el haber crecido en el sur, sino el haber crecido en una familia de músicos. Haber nacido en Alabama me dió un acento sureño, y en América si tienes un acento sureño siempre te relacionarán con el country. Por lo demás siempre me gustó cantar desde que era una niña, aunque tardé bastante en decidir dedicarme a ello profesionalmente. Alabama es un buen lugar para crecer, pero también un buen lugar para dejar atrás.”

Tu hermana Shelby Lynne es una artista muy reputada dentro del mundo del country tradicional

“Hace algún tiempo decidimos que no hablaríamos la una de la otra en nuestras respectivas entrevistas, asi que preferiría no hacerlo.”

Después de graduarte en Alabama te mudaste a Nashville donde empezaste en el mundo de la música como vocalista de sesión. ¿Cómo decidiste empezar a grabar tus propias composiciones?

“Pues conocí al que luego sería mi marido (Nota: Butch Primm). Él me escuchó cantar y me convenció para que comenzase una carrera musical como solista, y un par de años más tarde ya tenía un contrato discográfico. Mi marido y yo hemos trabajado a medias desde entonces, escribiendo juntos.”

Imagino que en esos primeros días habría ciertas dificultades…

“En el mundo de la música hay muchas dificultades, pero en todos los niveles, no sólo al principio. Aunque tengas un contrato y cierto reconocimiento nunca llegas a una posición en la que puedas sentarte y decir “Ok, ya no tengo que preocuparme de nada más”. Siempre hay mil cosas a las que atender y con las que tener cuidado. En realidad llegar a tener cierto éxito es muy difícil, pero en comparación con lo que cuesta mantenerlo es la parte más fácil de este negocio.”

Antes me decías que trabajas conjuntamente con tu marido, ¿qué es lo más duro y lo más sencillo de esta forma de trabajar?

“Nuestra relación funciona muy bien, no podría decirte en general cuál es la parte más difícil, porque escribimos canciones, y cada una tiene su propia historia y atraviesa por sus propias dificultades hasta que está terminada.”

Tus letras están especialmente cuidadas y por momentos son muy literarias

“Cuando estoy de gira siempre llevo conmigo libros que tengo pendientes de leer. Debido a lo que está sucediendo en estos momentos en nuestro país en esta gira estoy leyendo libros sobre análisis político, autores que hablan sobre lo que ha estado sucediendo en nuestro país en los últimos cuatro años, creo que es el momento idóneo para saber más sobre este tipo de temas. Tengo la gran esperanza de que la gente se mueva para votar y Bush no resulte reelegido.”

¿Crees que en estos momentos los artistas deben expresar sus ideas políticas o que por el contrario deberían mantenerse al margen?

“Creo que nuestro país nunca había estado tan dividido en cuanto a ideas políticas, y eso es realmente preocupante, porque ahora mismo si tienes una opinión diferente y la expresas serás tachado de traidor, antipatriota, etc., y eso es aterrador. Muchos artistas están quedándose al margen sólo por miedo, miedo a ser censurado, boicoteados en las radios comerciales, o abucheado cuando toca en directo, y no recuerdo que eso sucediera antes en este país. No creo que un artista deba estrictamente manifestar sus opiniones políticas, pero a veces es inevitable, soy una artista, pero ante todo soy una persona, y tengo el mismo derecho que cualquiera a decir lo que pienso. Todos deberíamos tener nuestras propias opiniones y no estar asustados por ello.”

Bien, hablemos ahora del que fue tu primer álbum “Alabama Song” que salió a la venta en 1998

“Me encanta “Alabama song”, fue muy especial para mi grabarlo. Cada disco que grabo refleja en cierto modo cómo era mi vida entonces, hay algo de esa época que se queda dentro del álbum, y en el caso de “Alabama Song”, fue mi primer trabajo, y obviamente fue duro para mi trabajar a ese nivel por primera vez, y creo que he evolucionado desde entonces, mi meta es que mi público vaya evolucionado al mismo tiempo que mis discos, y que no tenga importancia el hecho de que mis siguientes discos no sonasen como el primero. En ese sentido la trayectoria de Neil Young me parece ejemplar, ha ido cambiando y experimentando, y sus fans siempre lo han seguido porque él es el tipo de artista que siempre tuvo muy claro que es lo que quería hacer y la calidad de su música ha sido siempre extraordinaria, y eso es algo a lo que mi marido y yo aspiramos, porque elementos como la radio o las listas de ventas son incontrolables, así que cuidamos al máximo la calidad de las canciones.”

En ese álbum se incluía el que ha sido tu mayor éxito, “A soft place to fall”, que fue incluida en el film de Robert Redford “The Horse Whisperer” y por la que fuiste nominada a un Oscar. ¿Cómo fue actuar en directo en la ceremonia?

“Oh, fue fantástico. Mi carrera estaba empezando y que de repente te nominen a un Oscar y puedas actuar en la ceremonia es algo increíble como podrás imaginar. También aparecí en la película interpretando la canción y me gustó mucho intervenir. Ahora mismo sería muy difícil para mi volver a hacer algo similar, porque estoy totalmente centrada en mi carrera musical, siempre de gira, actuando en vivo, pero estaría muy interesada en volver a participar en algo así en el futuro.”

Tu segundo trabajo fue “The hardest part”. La mayoría de los artistas afirman que el segundo trabajo es el más difícil de grabar. ¿Estás de acuerdo?

“No, en absoluto. Me lo pasé muy bien en el estudio grabándolo y me gustan especialmente las letras que escribí para ese álbum .”

En tu página web apareces en una foto junto a Kris Kristofferson. ¿Cómo os conocisteis?

“Creo que ya se a qué foto te refieres, eso fue en una entrega de premios, hará un año. Siempre ha sido uno de mis idolos y me encanta todo lo que hace, como escribe, como canta…un artista muy completo, y además es encantador.”

También has colaborado con Kid Rock en su tema “Picture”

“Bueno, el grabó esa canción para su disco con otra persona, y quiso grabarla de nuevo y me ofreció hacer ese dueto. La versión con mi voz ha sido editada como single y funcionó muy bien.”

Es sorprendente, porque vuestros estilos son muy distintos, ¿te gusta su música?

“Si, desde luego.”

¿Qué opinión te merece el hecho de que la música country en América esté tan controlada por las radios comerciales?

“El mainstream country es algo que jamás me interesó, no lo tengo en cuenta.”

¿A qué artistas sueles escuchar más a menudo?

“Siempre escucho a The Rolling Stones, también a Otis Redding…crecí escuchando todo eso, discos de mis padres, material de Elvis Presley, Beatles, Everly Brothers, no tanto country, más bien rock n’ roll clásico.”

¿Y músicos más actuales?

“Es que tampoco suelo prestar demasiada atención a si lo que escucho es más o menos actual, pero supongo que en ese caso serían The Flaming Lips, me gustan mucho Wilco, Ryan Adams, y músicos actuales más cercanos al country…mmm, adoro a Emmylou Harris, a The Jayhawks, también a Lucinda por supuesto. Ahora se utiliza mucho el término americana, y no tengo claro qué pensar al respecto, es decir, si esa música es algo lo suficientemente novedoso como para que se haga necesario buscarle una nueva denominación, quizá sea una forma de confundir aún más a la gente sobre la música. De todos modos los sellos tienen que vender su material y necesitan etiquetarlo todo, y lo harán nos guste o no. Ellos tienen que poner el disco en las estanterías de las tiendas, y en este caso muchos de los discos a los que se refieren como americana contienen una música excelente. Está siendo un gran momento para algunos de estos artistas, incluso podríamos decir que para artistas como yo, y espero que todo esto incluso llegue a mejorar, hay música excelente que todavía no ha tenido oportunidad de llegar al mainstream.”

J.L. Fernandez, 2004. Entrevista completa publicada en el nº376 de la revista Popular 1.