The Black Crowes -Before the frost… until the freeze- 2009

Los tiempos en que las discográficas controlaban la carrera de los de Atlanta han terminado. Y lo cierto es que, desde que estrenaron su propio sello, Silver Arrow Records, parecen dispuestos a colmar de material nuevo a sus seguidores. En los poco más de tres años que han seguido a su reunión el balance es abrumador. A su exitoso álbum de estudio, debemos sumar dos dobles en directo, uno de los cuales venía acompañado de su correspondiente edición en dvd, más dos discos dobles más, uno de rarezas, y el otro, un directo acústico de los hermanos Robinson. La mesura parece no estar en el diccionario de la banda, y cuando apenas ha transcurrido un año de “Warpaint”, sorprenden dando uno de los pasos más arriesgados de su trayectoria, entregando un nuevo disco en estudio. Un trabajo doble, aunque sólo en su edición en vinilo, ya que los que opten por el cd deberán conformarse con la descarga del segundo compacto a través de un código.

Los Crowes presumen de audacia e independencia, pero tal y como sucede en el mundo del cine, la versión del director de cualquiera de nuestras películas favoritas no tiene por qué ser, ni mucho menos, la mejor de las existentes. La pregunta que deberíamos hacernos es: ¿son los propios artistas los mejor capacitados para decidir hasta el último detalle de cada uno de sus lanzamientos?. O dicho de otro modo, ¿son álbumes como “By your side” y “Lions” (donde ellos afirman haber estado más coaccionados que nunca) tan fallidos, y “Warpaint” tan bueno?. La pregunta queda en el aire, y es que el de la autoedición supone uno de los mayores debates a los que, con seguridad,se enfrentará el mundo de la música en años venideros.

Pero ciñámonos a su contenido. Los Crowes se encierran durante un par de semanas en el estudio que Levon Helm posee en las montañas de Woodstock, New York, y graban sus nuevos temas totalmente en directo, en frente de una audiencia que jalea a la banda incansablemente. El resultado se compone de diecinueve canciones nuevas, más una versión de Stephen Stills (“So many times”), demostrando que, más allá de la cover facilona de turno, siguen siendo unos incansables buscadores de tesoros musicales con los que sorprender a su audiencia.

Esta nueva encarnación de los Cuervos es notablemente más rockera que la que se dejó ver en “Warpaint”, pero, pese a todo, es inevitable sentir que algo se ha perdido por el camino. Ya no estamos ante aquellos jovenzuelos deudores de Humble Pie y los Faces que daban el campanazo con “Shake your Money maker”. Mientras que aquellos Crowes, rebosantes de urgencia y espontaneidad, basaban su material sobre todo en una visión del Rock procedente de bandas británicas, los hermanos Robinson parecen culminar, en este disco, su particular proceso de “americanización”, apoyándose en guitarras acústicas para que estas sirvan como puerta a la entrada del Folk, el Country, el Blues, y demás estilos que conforman el rico patrimonio musical estadounidense. En ese sentido, los títulos de las canciones (“Appaloosa”, “Houston don’t dream about me”, “Roll Old Jeremiah”) no dejan lugar a dudas, y según la visión del propio Chris Robinson, se trata de un viaje por las viejas carreteras secundarias de la América más rústica y desconocida.

El trabajo se inicia a ritmo de honky tonk con el juguetón piano que abre “Good morning Captain”, un tema festivo que evidencia que su reciente amistad con Levon Helm parece haberles inspirado más de la cuenta, y es que en este corte los Crowes se transmutan en una suerte de The Band del siglo XXI, iniciando la función con buenas vibraciones. “Been a long time (Waiting on love)”, con los cortantes riffs de Rich Robinson y su ritmo machacón, es uno de esos cortes netamente rockeros que tanto se echaban de menos en su anterior obra, al igual que “A train still makes a lonely sound” (precioso título), donde el mayor de los Robinson se desgañita como antaño, y que conforman, junto con la zeppeliana “Kept my soul”, lo más potente del trabajo.

El corte de adelanto, “I ain’t hiding”, es para darle de comer aparte. Desde que se filtrase en la red como primer single ha levantado una gran polémica entre sus fans, y no es para menos, ya que los ritmos Disco eran a priori algo impensable en una banda tan cercana a la tradición. Pero lo cierto es que lo enfocan como un homenaje a lo que hacían bandas como los Stones (viene a ser su “Undercover of the night” particular) o Kiss a finales de los 70, coqueteando con el funk y los ritmos discotequeros. Sin poseer la calidad de una “Miss you” o una “I was made for loving you”, el rockero estribillo encaja a la perfección, y no hay duda de que se trata de un buen tema.

Como era de esperar, también encontramos aquí el lado más sensible de la banda, especialmente en la bellísima balada 100% sureña “Appaloosa”, que nos puede recordar a “Oh Josephine”, en uno de esos registros en los que Chris Robinson se mueve como pez en el agua, al igual que sucede en la emocionante “Houston don’t dream about me”. Caso aparte es el de “What is home”, donde entran de lleno en el mundo del Country, a ritmo de mandolina y pedal steel, y que si bien viene a significar un nuevo paso adelante en su incursión en los sonidos tradicionales, en la opinión del abajo firmante, no es en estos terrenos donde la formación obtiene sus mejores resultados.

Cuando la audición termina, resulta obvio que los Crowes han captado perfectamente el espíritu de los mejores álbumes dobles de tiempos pasados, llaménse éstos “The river”, “Blonde on blonde”, “Exile on main street”, o cualquier otro que tengáis en mente. Sin pretender igualarlos (ésta banda no está en el excepcional momento compositivo de los autores de los trabajos citados), pero con las agallas suficientes para reinventarse y ofrecer lo mejor de sí mismos. Compensando cierta irregularidad de algunos momentos con la entrega de una avalancha de material, que conforma una obra de lo más compacta, y a la que se hace difícil poner algún pero.

Una evolución, que como siempre ha sucedido con los de Atlanta, continúa disco a disco, y eso sólo puede ser admirable. Podemos discutir durante horas si preferimos a estos Crowes o a los de hace diez años, pero es bastante probable que, cuando hayamos llegado a una conclusión, ellos ya hayan vuelto a cambiar y a fijarse un objetivo todavía más arriesgado. Siempre han ido un paso por delante y, a día de hoy, todavía no han publicado ese disco que les haga caer del pedestal en que los tenemos.

J.L. Fernandez, 2009. Publicado en el nº431 de la revista Popular 1.

Stevie Wonder, el visionario

Es curioso como el devenir de ciertas carreras embarra de prejuicios la percepción general sobre determinados artistas. Para mucha gente, a raíz de sus empalagosos hits de los 80 y su éxito masivo, Stevie Wonder figura en el museo de los horrores discográficos, bien cerca de Sting, Phil Collins, Elton John y demás. Muy pocos recuerdan el valor de su discografía 70s, y es que en esos años, la figura de Stevie fue tan revolucionaria como la de Curtis Mayfield, Sly Stone o Marvin Gaye. Entre 1972-1976, su aportación a la música popular fue apabullante. Ningún aficionado al Soul debería perderse clásicos como “Music of my mind”, “Talking book”, “Songs in the key of life”, o el que nos ocupa, quizá su trabajo más completo.

La valentía de Marvin Gaye al desafiar a Motown con “What’s going on”, abrió la caja de Pandora. Las estrellas del Soul también podían ser autores en el sentido más godardiano de la acepción. Cómo los únicos representantes de la América negra con repercusión internacional, era casi traición a su pueblo no llevar su voz y sus reivindicaciones al resto del mundo. Motown se impregnó de pinturas de guerra revolucionarias (¡hasta las Supremes se apuntaron al carro de la reivindicación social!), y con ello se resquebrajaron los cimientos del imperio de Berry Gordy.

Stevie Wonder se hizo un nombre como precoz genio de doce años en Motown, firmando singles de gran éxito como  “Fingertips”, pero estaba claro que el suyo era un talento a punto de explotar en mil direcciones diferentes.  Gordy ejerció de tutor monetario durante aquellos años, y cuando Stevie cumplió la mayoría de edad, el capitoste de Motown le pagó la mísera cantidad de un millón de dólares, cuando las ganancias obtenidas por el sello con sus composiciones habían sido diez veces mayores. Fue posiblemente ese el momento en el que decidió que nadie volvería a decidir por él jamás.  “Innervisions” es un disco combativo y rompedor, que habla, fundamentalmente, del fin del sueño que representaron los 60 en América. En apenas cuarenta minutos, Wonder narra con intensidad, y sin afectación alguna, el clima de confusión reinante en su país, y las condiciones de vida de la juventud negra de la época. Drogas, disturbios violentos, caos urbano, espiritualidad mística, multiculturalidad, desigualdades económicas y raciales… todas van de la mano en un trabajo apasionante.

Aquí encontramos dos de sus mejores temas, “Living for the city” y “Higher ground”. La primera, épica y desgarrada, narra en ocho minutos la vida de un adolescente de color desde su nacimiento en el profundo Mississippi hasta su llegada al ghetto de una gran ciudad. La segunda viene a ser una profundización en su lado más Funk (el que ya le convirtiera en una estrella con “Superstition”), y que denuncia el estado de ánimo de una nación que había perdido la fe en el sistema (“powers, keep on lyin’/soldier, keep on dyin’), y que todos conocimos a raíz de la versión que Red Hot Chili Peppers realizarían años más tarde.

Sin duda su experiencia en Motown, una compañía famosa por haber aplicado el sistema de producción de las cadenas de montaje de la industria automovilística al negocio de la música, le sirvió al genio invidente para articular con precisión un conjunto en el que no sobra ni una nota. Es sorprendente cómo enarbola la bandera del black power por medio de la espiritualidad que siempre ha caracterizado a su pueblo, llegando aquí a niveles casi etéreos en “Jesus children of America” o “Visions”. Un contraste entre dureza y sensibilidad al alcance de muy pocos, que posibilita que, más de treinta años después, su fórmula siga resultando fresca y atrayente. Un disco que cualquier aficionado al Soul debería tener en su estantería. Un auténtico clásico de la música negra.

Blackberry Smoke, por primera vez en España

Promete ser una velada histórica. Blackberry Smoke no es una más de esas bandas que se recorren las salas europeas ofreciendo shows simplemente correctos. Blackberry Smoke tienen madera de auténticas estrellas. Su Southern Rock duro y correoso bebe tanto de clásicos como Lynyrd Skynyrd (a los que han teloneado en su última gira) como de los maravillosos The Four Horsemen. Y un viejo amigo, nada menos que Chris Robinson, el líder de The Black Crowes, fue el encargado de bautizar a la formación.

Si queréis saber algo más sobre la particular filosofía de vida de estos sureños locos (alcohol, mujeres, y armas de fuego, básicamente), podéis leer aquí la entrevista que hice a su cantante Charlie Starr en 2005. En aquellos momentos, los de Atlanta publicaban su primer trabajo tras mil y una penurias. “Bad luck ain’t no crime” era un buen debut, pero lo que han logrado con su reciente “Little piece of dixie” es simplemente sensacional. Recuperando alguna que otra vieja canción, como “Sanctified woman”, pero sonando ésta vez con una producción de lujo. Uno de los grandes trabajos de este 2009. Que nadie se los pierda, por Dios.

Blackberry Smoke actuarán en España durante el mes de Diciembre. El día 10 en Barcelona (Razz 3), 11 Valencia (Durango), 12 Alicante (Stereo), 13 Granada (Telonera), 14 Badajoz (Mercantil), 16 Madrid (Gruta 77), 17 A Coruña (Mardi Gras), 18 Gijón (Dom Pedro), 19 Bilbao (Azkena)

Entrevista con… Allison Moorer

A día de hoy, Allison Moorer es una reputada intérprete de Country Rock, y ya nos ha visitado varias veces en compañía de Steve Earle, con quien contrajo matrimonio en 2006. La presente entrevista se realizó un par de años antes y tuvo como motivo la presentación de “The Duel”, un disco que la alejaba del Country tradicional y que marcaba una nueva etapa en su carrera. En aquellos momentos Allison se encontraba de gira precisamente junto a su futuro marido, y nos atendía desde la habitación del hotel.

 

“The duel” es tu disco más rockero…

“Sí, puedes decirlo asi si quieres… lo que pasa es que por lo general no me gusta poner ese tipo de etiquetas a mi música, porque como artista creo que es una forma de limitar mucho las cosas. No grabo un álbum teniendo una visión tan clara de adonde quiero llegar o qué tipo de sonido en particular quiero conseguir. Pero es posible, si lo comparamos con mis anteriores trabajos. Quizá el primero se centraba más en el country, pero creo que ya en el segundo álbum empecé a alejarme de lo que podríamos llamar country tradicional, y en “The duel” simplemente continúo esa evolución.”

¿Como está siendo la respuesta del público hacia las nuevas canciones?

“Oh, está siendo genial. Quizá las letras de este último álbum tengan una parte emocional más acentuada que nunca, y creo que pueden llegar al público de una forma muy directa, y debe ser por eso que la reacción ante los temas nuevos esté resultando tan positiva. Están siendo unos shows muy intensos.”

¿Cómo es tocar con Steve Earle? ¿eras seguidora de su música?

“Desde luego, siempre me he considerado fan suya, desde que su primer álbum, “Guitar Town”, salió a la venta. Yo era muy joven entonces, estaba en plena adolescencia, y ese disco me marcó de una forma muy especial, porque antes de escuchar “Guitar Town” nunca me había interesado especialmente por la música country, y de hecho me resultaba algo bastante ajeno, y ese disco de Steve fue muy importante en ese sentido. Además, Steve Earle siempre ha sido un modelo a seguir para mi; su música es especialmente real, te llega muy adentro, y es un artista realmente honesto, amo sus canciones y su forma de interpretarlas.”

Imagino que la situación para él ahora mismo debe ser muy complicada, debido al clima que se respira en tu país y a las letras de su último trabajo

“Si, ha tenido muchos problemas y es algo lamentable. Él simplemente es alguien honesto, que no teme decir lo que piensa.”

Volviendo a tu último disco, ¿cuáles son las canciones de las que te sientes más orgullosa?

“Me gustan todas por igual, sería imposible elegir. Siempre intento concebir mis discos como una unidad, no como un conjunto de canciones.”

¿Has escrito unas letras más autobiográficas que en otras ocasiones?

“Mis letras siempre han tenido un fuerte componente autobiográfico, aunque también parte de ficción.”

¿Te consideras una songwriter?

“Bueno, escribo canciones, asi que supongo que es lo que soy (Risas).”

¿Cuales son los que más te han influenciado?

“Mmmm…mi favorito siempre ha sido Kris Kristofferson. También me gustan mucho Randy Newman, Steve Earle, Willie Nelson…podría seguir diciendo nombres durante horas, pero esos serían mis favoritos desde siempre.”

En varias ocasiones te has declarado una gran fan de Keith Richards

“Oh si, le adoro. A él y a su música, la considero una fuerte influencia para mi como artista country. Es curioso, porque aunque Keith sea británico, es uno de los mejores músicos de country de los últimos años, mejor que muchos músicos americanos que tocan ese estilo de música.”

Naciste y te criaste en Alabama, ¿en qué medida dirías que te influyó haber crecido en un lugar con una tradición musical tan arraigada?

“Supongo que tuvo bastante importancia, no tanto el haber crecido en el sur, sino el haber crecido en una familia de músicos. Haber nacido en Alabama me dió un acento sureño, y en América si tienes un acento sureño siempre te relacionarán con el country. Por lo demás siempre me gustó cantar desde que era una niña, aunque tardé bastante en decidir dedicarme a ello profesionalmente. Alabama es un buen lugar para crecer, pero también un buen lugar para dejar atrás.”

Tu hermana Shelby Lynne es una artista muy reputada dentro del mundo del country tradicional

“Hace algún tiempo decidimos que no hablaríamos la una de la otra en nuestras respectivas entrevistas, asi que preferiría no hacerlo.”

Después de graduarte en Alabama te mudaste a Nashville donde empezaste en el mundo de la música como vocalista de sesión. ¿Cómo decidiste empezar a grabar tus propias composiciones?

“Pues conocí al que luego sería mi marido (Nota: Butch Primm). Él me escuchó cantar y me convenció para que comenzase una carrera musical como solista, y un par de años más tarde ya tenía un contrato discográfico. Mi marido y yo hemos trabajado a medias desde entonces, escribiendo juntos.”

Imagino que en esos primeros días habría ciertas dificultades…

“En el mundo de la música hay muchas dificultades, pero en todos los niveles, no sólo al principio. Aunque tengas un contrato y cierto reconocimiento nunca llegas a una posición en la que puedas sentarte y decir “Ok, ya no tengo que preocuparme de nada más”. Siempre hay mil cosas a las que atender y con las que tener cuidado. En realidad llegar a tener cierto éxito es muy difícil, pero en comparación con lo que cuesta mantenerlo es la parte más fácil de este negocio.”

Antes me decías que trabajas conjuntamente con tu marido, ¿qué es lo más duro y lo más sencillo de esta forma de trabajar?

“Nuestra relación funciona muy bien, no podría decirte en general cuál es la parte más difícil, porque escribimos canciones, y cada una tiene su propia historia y atraviesa por sus propias dificultades hasta que está terminada.”

Tus letras están especialmente cuidadas y por momentos son muy literarias

“Cuando estoy de gira siempre llevo conmigo libros que tengo pendientes de leer. Debido a lo que está sucediendo en estos momentos en nuestro país en esta gira estoy leyendo libros sobre análisis político, autores que hablan sobre lo que ha estado sucediendo en nuestro país en los últimos cuatro años, creo que es el momento idóneo para saber más sobre este tipo de temas. Tengo la gran esperanza de que la gente se mueva para votar y Bush no resulte reelegido.”

¿Crees que en estos momentos los artistas deben expresar sus ideas políticas o que por el contrario deberían mantenerse al margen?

“Creo que nuestro país nunca había estado tan dividido en cuanto a ideas políticas, y eso es realmente preocupante, porque ahora mismo si tienes una opinión diferente y la expresas serás tachado de traidor, antipatriota, etc., y eso es aterrador. Muchos artistas están quedándose al margen sólo por miedo, miedo a ser censurado, boicoteados en las radios comerciales, o abucheado cuando toca en directo, y no recuerdo que eso sucediera antes en este país. No creo que un artista deba estrictamente manifestar sus opiniones políticas, pero a veces es inevitable, soy una artista, pero ante todo soy una persona, y tengo el mismo derecho que cualquiera a decir lo que pienso. Todos deberíamos tener nuestras propias opiniones y no estar asustados por ello.”

Bien, hablemos ahora del que fue tu primer álbum “Alabama Song” que salió a la venta en 1998

“Me encanta “Alabama song”, fue muy especial para mi grabarlo. Cada disco que grabo refleja en cierto modo cómo era mi vida entonces, hay algo de esa época que se queda dentro del álbum, y en el caso de “Alabama Song”, fue mi primer trabajo, y obviamente fue duro para mi trabajar a ese nivel por primera vez, y creo que he evolucionado desde entonces, mi meta es que mi público vaya evolucionado al mismo tiempo que mis discos, y que no tenga importancia el hecho de que mis siguientes discos no sonasen como el primero. En ese sentido la trayectoria de Neil Young me parece ejemplar, ha ido cambiando y experimentando, y sus fans siempre lo han seguido porque él es el tipo de artista que siempre tuvo muy claro que es lo que quería hacer y la calidad de su música ha sido siempre extraordinaria, y eso es algo a lo que mi marido y yo aspiramos, porque elementos como la radio o las listas de ventas son incontrolables, así que cuidamos al máximo la calidad de las canciones.”

En ese álbum se incluía el que ha sido tu mayor éxito, “A soft place to fall”, que fue incluida en el film de Robert Redford “The Horse Whisperer” y por la que fuiste nominada a un Oscar. ¿Cómo fue actuar en directo en la ceremonia?

“Oh, fue fantástico. Mi carrera estaba empezando y que de repente te nominen a un Oscar y puedas actuar en la ceremonia es algo increíble como podrás imaginar. También aparecí en la película interpretando la canción y me gustó mucho intervenir. Ahora mismo sería muy difícil para mi volver a hacer algo similar, porque estoy totalmente centrada en mi carrera musical, siempre de gira, actuando en vivo, pero estaría muy interesada en volver a participar en algo así en el futuro.”

Tu segundo trabajo fue “The hardest part”. La mayoría de los artistas afirman que el segundo trabajo es el más difícil de grabar. ¿Estás de acuerdo?

“No, en absoluto. Me lo pasé muy bien en el estudio grabándolo y me gustan especialmente las letras que escribí para ese álbum .”

En tu página web apareces en una foto junto a Kris Kristofferson. ¿Cómo os conocisteis?

“Creo que ya se a qué foto te refieres, eso fue en una entrega de premios, hará un año. Siempre ha sido uno de mis idolos y me encanta todo lo que hace, como escribe, como canta…un artista muy completo, y además es encantador.”

También has colaborado con Kid Rock en su tema “Picture”

“Bueno, el grabó esa canción para su disco con otra persona, y quiso grabarla de nuevo y me ofreció hacer ese dueto. La versión con mi voz ha sido editada como single y funcionó muy bien.”

Es sorprendente, porque vuestros estilos son muy distintos, ¿te gusta su música?

“Si, desde luego.”

¿Qué opinión te merece el hecho de que la música country en América esté tan controlada por las radios comerciales?

“El mainstream country es algo que jamás me interesó, no lo tengo en cuenta.”

¿A qué artistas sueles escuchar más a menudo?

“Siempre escucho a The Rolling Stones, también a Otis Redding…crecí escuchando todo eso, discos de mis padres, material de Elvis Presley, Beatles, Everly Brothers, no tanto country, más bien rock n’ roll clásico.”

¿Y músicos más actuales?

“Es que tampoco suelo prestar demasiada atención a si lo que escucho es más o menos actual, pero supongo que en ese caso serían The Flaming Lips, me gustan mucho Wilco, Ryan Adams, y músicos actuales más cercanos al country…mmm, adoro a Emmylou Harris, a The Jayhawks, también a Lucinda por supuesto. Ahora se utiliza mucho el término americana, y no tengo claro qué pensar al respecto, es decir, si esa música es algo lo suficientemente novedoso como para que se haga necesario buscarle una nueva denominación, quizá sea una forma de confundir aún más a la gente sobre la música. De todos modos los sellos tienen que vender su material y necesitan etiquetarlo todo, y lo harán nos guste o no. Ellos tienen que poner el disco en las estanterías de las tiendas, y en este caso muchos de los discos a los que se refieren como americana contienen una música excelente. Está siendo un gran momento para algunos de estos artistas, incluso podríamos decir que para artistas como yo, y espero que todo esto incluso llegue a mejorar, hay música excelente que todavía no ha tenido oportunidad de llegar al mainstream.”

J.L. Fernandez, 2004. Entrevista completa publicada en el nº376 de la revista Popular 1.

Entrevista con… Johnny Dowd

Es uno de los secretos mejor guardados del underground americano reciente. Johnny Dowd lleva más de diez años alimentando una trayectoria arriesgada como pocas. Su oscura propuesta se mantiene en “Cemetery shoes”, una serie de postales del lado oscuro de la vida. Historias de perdedores, alcoholismo y asesinatos en la tradición de las murder ballads del oeste americano. Dowd es uno de esos artistas que sabe que nunca llegará a vender miles de discos, pero a cambio cuenta con unos cuantos incondicionales dispuestos a escuchar con atención cualquier cosa que haga. En persona habla despacio, casi arrastrando las palabras. Una conversación con él es una experiencia tan hermética como cualquiera de sus trabajos.

 

Acabas de finalizar tu último tour americano presentando tu nuevo trabajo, ¿cómo ha ido?

“Muy bien. Recorrimos todo el país, el tour empezó en la Costa Este, luego estuvimos en el medio oeste, y terminamos en California. La gente respondió muy bien. En esta última gira me acompañó Sally Timms, que es la cantante de la banda The Mekons, asi que fué excitante poder hacer algo diferente.”

¿Cómo fue la grabación de “Cemetery Shoes”?

“Lo grabamos casi todo entre Brian, mi batería y yo, en mi oficina. Tengo un equipo de grabación en mi oficina y decidimos hacerlo alli. Creo que los mejores discos son los que se graban en las condiciones más simples.”

Las letras son un componente esencial en tus discos, ¿empezaste como músico o como escritor de canciones?

“Mmmm, no lo se, supongo que empecé como una especie de “spoken-word musician” o algo asi (Risas). Se que no soy un cantante especialmente bueno, y mucha gente me ve más como un poeta, pero lo que yo hago es cantar canciones… se trata de romper límites y hacer lo que me hace sentir más cómodo.”

Grabaste tu primer disco cuando ya tenías casi cuarenta años, ¿por qué empezaste tan tarde?

“Grabé por primera vez con esa edad, pero siempre fui un gran aficcionado a la música. No lo se, supongo que nunca había sentido la necesidad de intentar crear algo por mi mismo hasta entonces. Era ya un treintañero y no había demasiada música que me interesase, y fue cuando me decidí a actuar en público y a componer mis propias canciones.”

¿Cuales eran tus principales influencias al principio?

“Bueno, en cuanto a las letras supongo que mis influencias eran sobre todo literarias, novelas pulp, autores como Gene Thompson, Jeremy O’ Connor…al principio era incapaz de tocar bien la guitarra, y por eso me concentraba más en las letras, escribía algo y luego pensaba en el acompañamiento musical, que al principio era algo muy simple, y ya tenía una canción.”

En tus primeros trabajos solías escribir muchas “murder ballads”. ¿haber nacido en el sur supuso una influencia en ese sentido?

“Supongo que si. Haber crecido en el sur me hizo escuchar muchísimas canciones de ese tipo, porque la música tradicional americana trata sobre todo de eso…Johnny Cash, y ese tipo de cantantes, a su vez estaban recogiendo la influencia del folk inglés anterior, en el que ya existían esa clase de canciones. Supongo que en la música tradicional española también tendréis temas de ese estilo, porque a los escritores de canciones les han atraído siempre esas cosas: gente que vive al margen de la ley, robos, asesinatos…es algo común a todas las culturas.”

¿Cómo ves hoy en día tu primer disco “Wrong side of Memphis”?

“Vaya, llevo sin escucharlo diez años…no tengo una auténtica opinión sobre ese disco, porque después de editarlo me puse a pensar en el siguiente. No me gusta mirar atrás. Me quedé satisfecho del disco en su momento, pero no tengo demasiada perspectiva sobre qué es lo que hice en cada momento.”

Ese trabajo y el siguiente, “Pictures from life’s other side”, estaban centrados sobre todo en “murder ballads”, pero luego grabaste “The pawnbroker’s wife”, que sigue siendo tu disco más conocido. ¿era un trabajo más luminoso?

“Si, posiblemente lo era…aunque por otra parte es difícil para mi tener esa capacidad de distinguir lo que es oscuro o luminoso cuando hablamos de música, o lo que es serio o una broma. A veces escribo algo que me parece divertido y mucha gente lo interpreta como algo oscuro y retorcido, y también sucede lo contrario. Lo interesante es que las personas tengan su propia perspectiva.”

En aquel disco incluías una versión de “Jingle Bells” que parecía más bien música para un funeral…¿te deprimen las navidades?

“No en particular, he tenido navidades terribles pero no puedo decir que me depriman las fiestas en sí… Mi inspiración para la canción fue la versión rockera de “Jingle Bells”, que hacía Brenda Lee y que es muy popular aqui. Yo pretendía hacer una versión extraña basada en el funk, pensé en qué hubiese hecho George Clinton con esa canción, o James Brown, porque nunca escuché a ninguno de esos artistas hacer una versión de ese tema.”

En tu nuevo trabajo aparece una canción titulada “Dylan’s Coat”. ¿cuál es el significado de este tema?

“Me inspiré en una entrevista que leí hace tiempo, creo que con la chica que fue su novia, y que salía con él en la portada del álbum “The Freewheelin’” caminando por New York. En la entrevista ella decía “Bob llevaba aquella cazadora día y noche porque no podía permitirse el comprar otra, y la llevó durante dos años.”. Para mi eso es una gran metáfora sobre el tipo de artista que es Bob Dylan, él es una de esas personas que son fieles a sí mismos y no ceden lo más mínimo, es algo admirable.”

¿Cuáles eran tus artistas favoritos durante tu infancia?

“La primera música que escuché provenía del tocadiscos de mis padres. A ellos les encantaba todo el tema de las big bands, Tommy Dorsey, Glenn Miller, ese tipo de artistas…Además tenía dos hermanas mayores, cinco o seis años mayores que yo, que empezaron a escuchar a los primeros músicos de rock n’ roll, y eso me influyó mucho, artistas como Ricky Nelson, Ray Charles y todo lo que sonaba en la radio en aquella época. La radio en america es algo muy importante, puedes oír todo tipo de música. Quizá ahora se escuche sobre todo hip hop y ese tipo de cosas, pero en aquella época simplemente encendiendo la radio podías tener una educación musical bastante completa.”

El año pasado aparecías por primera vez en el mundo del cine, en la película independiente “Searching for the wrong-eyed Jesus”. ¿sobre qué trataba el film?

 “El director del film es británico, y digamos que es su visión sobre la historia del sur estadounidense, es algo asi como un docu-drama, en el que se mezcla ficción pero también personajes reales. Es un viaje por el sur, y aparecemos artistas como yo y otros como 16 Horsepower, la película tiene mucha música. Es un film interesante, trata de hablar sobre la historia del sur, pero desde la perspectiva de un británico, es decir, no es la historia real de la música sureña ni nada parecido, porque los británicos no crecieron realmente aqui, aunque les influyó mucho, sobre todo en lo que fue el blues británico de los 60’s, que no era realmente blues tampoco, pero es muy interesante escucharlo, y ver qué es lo que ellos pensaban que había sido el blues aqui.”

Mucha gente compara tu música con la de Tom Waits. ¿te parece bien esa comparación?

“Bueno, que te comparen con él es un gran honor, no es algo que me preocupe (Risas). Me parece una comparación algo exagerada, porque su visión es mucho más artística que la mía, quizá mis canciones tengas puntos en común con su primera etapa…me encantan sus discos y quizá haya un sentimiento similar detrás de algunos de nuestros temas pero tampoco nos parecemos tanto.”

Me gustaría saber tu opinión breve sobre los siguientes discos: el primero es “Safe as milk” de Captain Beefheart

“Gran álbum, mi favorito suyo. Admiro profundamente a Captain Beefheart. Si hay algún artista al que me gustaría emular es a él. Supuso un punto y aparte para la música, la forma en la que juntaba la música y sus palabras…cuesta ver qué es lo que intentaba hacer, era blues pero con un ritmo a veces muy acelerado…es asombroso.”

Tom Waits “Swordfishtrombones”

“No es mi disco favorito suyo. Prefiero parte del último material como “Mule Variations”, sobre todo por la parte musical. Pero sus letras son siempre excelentes.”

Nick Cave “Murder Ballads”

“Buen álbum, pero no significa tanto para mi a nivel personal como los dos anteriores que has citado.”

Bob Dylan “Time out of mind”

“Fantástico. Bob está a un nivel superior.”

El último sería el primer “American Recordings” de Johnny Cash

“Muy bueno, al igual que todos los discos de esa serie. Johnny Cash es increíble. Pocos artistas con una carrera tan larga llegaron a publicar discos con tanta fuerza al final. Fueron discos que me sorprendieron mucho.”

Para terminar, ¿qué esperas de tu carrera en el futuro?

“Espero poder seguir haciendo lo que me gusta, grabar otro buen álbum y a poder ser ganar algo de dinero con ello (Risas).”

J.L. Fernandez, 2004. Entrevista completa publicada en el nº377 de la revista Popular 1.

Primeras imágenes de “Machete”

Originariamente, el cine de serie Z, las exploitation típicas de los programas dobles y los autocines, buscaban el dinero fácil a costa de intentar reproducir argumentos similares a los de las grandes superproducciones de moda, supliendo las limitaciones impuestas por los bajos presupuestos por medio de la imaginación y el bizarrismo. Increíblemente, las tornas han cambiado, y encontramos a grandes directores que crecieron con este tipo de cine dispuestos a emular su precariedad, intentando realizar films que capturen el aroma casposo e inevitablemente entrañable de muchas de aquellas películas. “Machete”, de Robert Rodríguez, es el primer caso de un film de éstas características nacido por aclamación popular.

En principio, “Machete” fue una broma. Un trailer falso incrustado en “Grindhouse”, el homenaje a las sesiones dobles  y a la caspa cinematográfica perpetrado por Tarantino y Rodríguez en el que, además de ver sendos films de ambos directores (“Planet Terror” y “Death Proof”), pudimos disfrutar de un intermedio amenizado por los trailers de estas joyas inexistentes del séptimo arte, cuatro gamberradas sin pretensiones de dos minutos de duración realizadas por colegas como Rob Zombie o Eli Roth, con lisérgicos títulos como “Mujeres Lobo de las SS” (en la que podíamos ver a Nicolas Cage caracterizado como Fu Manchu), “Thanksgiving”, “Don’t”, o la que nos ocupa “Machete”, cuyo tagline es ya legendario (“Escogieron al mexicano equivocado”). Contra todo pronóstico, dichos trailers se convirtieron en lo mejor de un conjunto (“Grindhouse”) que fracasó estrepitosamente en taquilla, y que en Europa ni siquiera se pudo estrenar en su concepción original.

El entusiasmo de muchos fans de Rodríguez le han llevado a convertir el falso trailer en una película en toda regla, y “Machete”, protagonizada por el eterno secundario Danny Trejo, es ya una realidad. Y una realidad que puede presumir, según las primeras informaciones, de contar con uno de los castings más surrealistas de la historia del cine. Así, acompañando a Trejo, tenemos a todo un Robert DeNiro, secundado por gente como Don Johnson, Steven Seagal, Jessica Alba o Lindsay Lohan.

Todo apunta a que el film no se tomará demasiado en serio a sí mismo, y supondrá la primera ocasión de ver a Danny Trejo en un papel protagonista. Habitual en films de Rodríguez como “Desperado” o “Abierto hasta el amanecer”, e interpretando generalmente a macarras y matones de origen chicano, en su caso la realidad se funde con la ficción. Trejo fue pandillero en su juventud, pasó alguna que otra temporada en prisión, y desde que el cine le dió la oportunidad de redimirse aprovecha su tiempo libre en programas para reinsertar a jóvenes de barrios conflictivos, da conferencias en cárceles y centros de rehabilitación de toxicómanos, etc. Ojalá “Machete” sirva para lanzar al estrellato a este pequeño gran actor. Probablemente, una de las películas más bizarras del inminente 2010.

The Quireboys, de gira

Pese a lo que pueda parecer, Spike y los suyos están en uno de los mejores momentos de su carrera. Su, hasta ahora, último trabajo de estudio, “Homewreckers and heartbreakers” fue una auténtica delicia. Sus días de gloria son ya un recuerdo del pasado, y deben ganarse a su público cada noche en pequeñas salas como si fuesen una banda primeriza, pero eso no les impidió poner su alma en el citado disco, una auténtica lección de magistral Rock n’ Roll setentero con sabor Stones/ Faces, dejando para el recuerdo bellas melodías como la de “Mona Lisa Smiled”. Al igual que sucede con Dan Baird, de quien hablábamos el mes pasado, The Quireboys son la clase de banda que da el 100% sobre el escenario. Los años tocando frente a grandes audiencias se notan en un frontman como Spike,  capaz de convertir cualquier velada en una gran fiesta.

Pude ver a la banda en Vigo el año pasado presentando su último trabajo, y fue una noche francamente memorable, a la que tan sólo se le podría achacar que no diesen más protagonismo a sus temas más recientes. Esta misma semana nos visitan de nuevo, con la excusa de un nuevo lanzamiento, el disco acústico “Halfway pennydancer”. Pero los presentes shows serán en eléctrico, y no faltará la potencia a la que nos tienen acostumbrados. Interpretando prácticamente al completo su ya clásico debut “A bit of what you fancy”, que cumple este año dos décadas de existencia y será objeto de una reedición deluxe. Y a buen seguro, tampoco faltarán temas posteriores del calibre de “Tramps and thieves” o “This is Rock n’ Roll”. De obligada asistencia.

The Quireboys actuarán en España en noviembre: día 13 Bilbao (Kafé Antzokia), 14 Gijón (Casino Acapulco), 16 A Coruña (Playa Club), 17 Madrid (El Sol), 18 Sevilla (Q), 19 Granada (El Tren), 20 Valencia (Durango Club), 21 Barcelona (La 2).

Entrevista con… Keith Nelson (Buckcherry)

Buckcherry es una entidad bicéfala que se sustenta en base a dos personalidades complementarias: mientras Josh Todd representa el nervio, la chulería y el glamour decadente, además de las evidentes influencias que el sleazy de los 80 tiene en su sonido, y Keith Nelson es el Hard Rock clásico personificado. Mucho más cercano a los 70 y fan absoluto de AC/DC y Aerosmith entre otros, lo suyo es desgranar un riff tras otro sin que la fama o el éxito en ventas parezca preocuparle demasiado. Mucho más humilde y centrado, es la parte más cerebral del combo. Inmersos todavía en su gira americana, Nelson llama desde el autobús del grupo. Parece que los años de presiones y problemas internos van quedando atrás, y como se puede ver en la charla que sigue a continuación, lo que se respira actualmente en Buckcherry son únicamente buenas vibraciones.

 

¿Cómo te sientes volviendo a formar parte de Buckcherry y con respecto al nuevo álbum, “Fifteen”?

“Es fantástico. Durante el tiempo que Josh y yo pasamos separados echaba realmente de menos estar en Buckcherry, asi que puedes estar seguro de que me siento muy feliz de que la banda siga adelante, y enormemente orgulloso de “Fifteen”.

Asi que “Crazy Bitch” es ya un single de éxito en los USA. ¿Un nuevo emblema para la banda?

“Si,si, todos quieren escucharla en cada show”.

Antes de la reunión, estuviste tocando en la banda de Johnny Kaplan

“Si, la suya es la banda en la que estuve con Jimmy Arshurst, de la que te hablaba antes. Nos conocemos porque ambos vivimos durante mucho tiempo en Hollywood, y nos movíamos por los mismos ambientes. Johnny había abierto para nosotros en los 90, y siempre me cayó bien. Yo estaba disponible y me pegó un toque para que tocase con él. Me pareció una idea estupenda”.

Su disco de debut tuvo cierta relevancia a nivel underground, pero hace tiempo que no sabemos nada de él

“No lo se, hace ya tiempo que no hablamos. Pero estoy seguro de que está haciendo música, es la clase de tipo que no deja ésto”.

De toda la experiencia que supuso esa etapa tan incierta para Buckcherry, ¿qué lecciones has aprendido? ¿que cosas intentarías evitar a partir de ahora para que la historia no vuelva a repetirse?

“Lo más importante es tocar con personas que se divierten llevando este tipo de vida. Porque cuando estar en una banda se convierte en un trabajo, todo deja de tener sentido”.

¿Realmente hay tantas diferencias entre “Fifteen” y vuestro segundo trabajo, “Time bomb”?

“Mmmmm… cuando escucho “Time bomb” me gusta, veo como éramos nosotros en ese momento exacto, y lo que intentábamos hacer. Pero creo que “Fifteen” muestra todo lo que hemos aprendido desde entonces, y que refleja todo lo que puede ofrecer una banda como la nuestra. Y no tengo ningún problema con “Time Bomb”, me gusta y estoy muy orgulloso de ese disco. Los problemas en esa época no tenían que ver con el disco en si, sino que más bien se debían a cosas que los fans no podían ver. Teníamos un sello que no promocionaba el disco como es debido. Y eso, unido a problemas entre los miembros de la banda, provocaron el desastre”.

El gran favorito de vuestra discografía sigue siendo el primero. Es un pequeño clásico. ¿No os planteáis la posibilidad de volver a trabajar con Steve Jones como productor?

“No hay planes al respecto, pero tampoco lo descarto. Porque Steve Jones es un tipo genial, su show de radio es increíble, y como persona pues es un tipo muy divertido. Si se diese la oportunidad de volver a trabajar juntos, desde luego, sería divertido”.

¿Hay algún productor con el que tengáis en mente hacer el próximo disco?

“Tengo planeado volver a trabajar conmigo mismo en el siguiente (Risas). Me divertí mucho produciendo “Fifteen” y no tenemos planes para trabajar con nadie de fuera del grupo. Tendría que ser alguien realmente de peso, como Rob Cavallo, eso sería fantástico, pero de momento lo hacemos nosotros, ya que sabemos exactamente cuál es el sonido que queremos conseguir”.

Entrevistamos a Josh cuando “Fifteen” salía a la venta, y pudimos hablar en profundidad sobre las nuevas canciones, por eso me gustaría centrarme en otros aspectos. Para empezar, ¿qué opinas de “You made me”, el disco que Josh grabó en solitario?

“Creo que era algo que Josh quería hacer, y que él se siente orgulloso de haberlo conseguido”.

¿Pero te gustan esas canciones?

“No lo he escuchado entero. Porque para mi era un poco difícil aceptar que estaba haciendo música sin mi en aquellos momentos”.

¿Nunca pensaste en grabar tú también un disco en solitario?

“¿Un disco en solitario mio? (extrañado). Nooooo… A mi me gusta poder ayudar a alguien a grabar su propio álbum o formar parte de un grupo y hacer el disco entre todos, pero no necesito grabar un trabajo en solitario. Ya sabes, sería la típica historia de una gran banda en la que el guitarrista graba un disco en solitario, hace todo lo que puede, y acaba siendo un desastre”.

Hablemos de tus inicios en la música. ¿Cómo empezaste a tocar la guitarra y quienes eran tus modelos a seguir?

“Yo al principio era batería, pero empecé a tocar con una banda de amigos, y ya había batería, asi que tuve que aprender a tocar la guitarra. Los guitarristas que más admiraba en aquellos días eran Billy Gibbons, Joe Perry, Angus y Malcom Young, Paul Kassof y Muddy Waters”.

Ya que hablamos del gran Joe Perry, me gustaría preguntarte por Aerosmith, con los que habéis tocado varias veces

“¡Adoro a Steven Tyler! Es un gran tipo, que no se comporta como una estrella. Super divertido, y siempre dispuesto a echar una mano si necesitas algo. No lo conozco bien, pero cada vez que hemos coincidido fue encantador, y eso es algo muy apreciable teniendo en cuenta que hablamos de una leyenda”.

¿Cual sería tu disco favorito suyo?

“Rocks”.

¿Te gustan sus últimos trabajos?

“Bueno, no están mal. Veo cosas interesantes en “Just Push Play”, aunque mucha gente diga que han perdido toda su credibilidad. Hacen muchas canciones Pop, pero yo sigo siendo fan. Y no creo que los que les critican sepan lo que cuesta mantener viva una banda durante tantos y tantos años y seguir siendo creativo y ser relevante. Y de todos modos, si les ves en directo, siguen siendo totalmente matadores. Pero prefiero su etapa 70’s”.

J.L. Fernandez, 2006. Publicado en el nº397 de la revista Popular 1.

La cinta blanca, de Michael Haneke

Michael Haneke acaba de firmar, probablemente, su película más lograda. “La cinta blanca” se coronó como la gran triunfadora en Cannes hace escasos meses, y pese a ello, ninguna distribuidora se ha decidido a estrenarla en condiciones normales en nuestro país. En otros tiempos, algo así hubiera supuesto, con toda seguridad, el acceso de la obra al gran público. Pero la aceptación tácita de la existencia de un cine para festivales en contraposición a otro para salas comerciales, nos deja huérfanos, una vez más, de parte de lo más destacable de la producción mundial.

Lejos quedan ya aquellos primeros 90, cuando algunos escuchamos por primera vez el nombre de Haneke a raíz de la polémica suscitada por “El vídeo de Benny”, una de sus primeras películas. Artesanal y modesta en cuanto a medios, pero de premonitorias reflexiones, trazaba una línea entre la violencia y los medios de la comunicación, reflejada en la mirada morbosa de un adolescente obsesionado con una videocámara. Dos décadas después, con el auge de YouTube, las palizas registradas en teléfonos móviles, etc., la tesis de aquel perturbador film no ha venido sino a reforzarse. Esa fijación por la violencia y su representación, y sobre todo, por nuestro propio papel como observadores de la misma, ha venido siendo el eje que ha cimentado la carrera de su director, dando como resultado la controvertida “Funny games”, que le consagró como autor a nivel internacional.

Desde entonces, su ascenso ha sido meteórico, de la mano de films brillantes como “La pianista” o “Caché”. Haneke siempre ha sido un director excesivo, y a pesar de cosechar los mil y un premios, parecía haberse instalado en una suerte de limbo destinado a los autores malditos e incomprendidos. Faltaba esa obra definitiva que legar a las generaciones venideras, y ésta podría ser perfectamente la película que nos ocupa. Un proyecto que tardó más de diez años en materializarse, y para el que ha contado con el director de fotografía Christian Berger, que ha impregnado la pantalla de un preciosista blanco y negro que da al film un aire atemporal. Enmarcado en una aldea alemana de fuertes convicciones protestantes en los años anteriormente posteriores a la Primera Guerra Mundial, todo en “Das weisse Band” remite a Bergman, a Dreyer, y destila un amor y un respeto absoluto hacia una forma de hacer cine que parecía perdida en el tiempo. 

Ésta podría ser una película fechada en los años 50 o 60, y es que Haneke ha depurado su estilo hasta lo inimaginable. Limando todas esas asperezas de su estilo que en ocasiones chirriaban. Esa fascinación morbosa por la misma violencia que dice criticar, su gusto por romper el ritmo narrativo mediante escenas de gran crudeza, o la extrema crueldad que acostumbra a mostrar para con sus criaturas. No hay nada de eso aquí, aunque cada plano rezume potencia visual. Lo que queda fuera de campo resulta notablemente más perturbador que lo mostrado, y cada gesto y cada mirada parece ocultar terribles secretos.

Ello no quiere decir que haya renunciado a sus señas de identidad. En ese sentido, su nuevo trabajo es posiblemente uno de sus films más incómodos de ver, y su atmósfera es tan opresiva y asfixiante como la de “El séptimo continente” o “La pianista”. La diferecia radica en que, ésta vez, ningún plano nos hace apartar la vista de la pantalla. Al contrario que Lars Von Trier, que acaba de firmar con “Anticristo” un manual de truculencia visual, Haneke consigue horrorizarnos con inusitada sutileza. Describiendo el Mal con mayúsculas, el terror en estado puro que se cierne de forma inexplicable sobre una comunidad en forma de misteriosos accidentes, incendios, mutilaciones y torturas infantiles. Radiografiando con maestría la dinámica de una sociedad hermética que se mueve en torno al castigo, la brutalidad y la hipocresía, conformando un mundo de pesadilla que se ceba, como no podía ser de otra manera, con los más débiles, conformando una de las visiones sobre la infancia más perversa que se hayan mostrado jamás en pantalla. Concretamente la de unos niños que (aunque la historia se detenga en 1914) terminarán alimentando las filas del nazismo un par de décadas después.

No vamos a decir que “Das weisse Band” sea una obra maestra, afirmación sumamente arriesgada para una obra que cuenta con escasos meses de vida. Pero desde luego, es una de esas películas imprescindibles de la década que dejamos atrás. Y podría exhibirse, sin desmerecer, al lado de las obras de esos directores a los que toma como referencia.

Nuevas promesas del Rock: Entrevista con The Riverboat Gamblers

Un directo salvaje y unas canciones que son puro caos sonoro han llevado a este grupo de Punk Rock de Texas de los clubs más cochambrosos de su ciudad natal a estar en boca de todo el mundo. Todo el que los ha visto habla de la actitud visceral y por momentos violenta con la que enfocan sus actuaciones, lo que ya les ha causado más de un susto en alguna ocasión. Su segundo disco, “Something to crow about”, ha sido una de las sorpresas de la temporada. Sin duda, una banda con un gran futuro por delante si es que sobreviven a sus propios conciertos. Recién llegados de su último tour, charlábamos con su cantante, Mike Wiebe.

 

Acabais de finalizar vuestra gira americana más importante hasta el momento, ¿qué tal ha ido el tour?

” Estuvimos en la carretera durante más o menos un mes, entre otras cosas pudimos abrir algunos shows para el tour de reunión de MC5. Nos lo pasamos muy bien en esta gira, estuvimos sobre todo en la costa oeste, California… “

Me gustaría hablar de los orígenes de la banda, ¿como os conocisteis?

“Todos viviamos en el mismo sitio y nos conocíamos del instituto aquí en Texas. Este es un lugar pequeño, la escena local era limitada en cuanto a medios pero había un montón de bandas. No teníamos buenos clubs, en realidad solo había uno, y muchas veces venían a tocar grupos importantes, del resto de los Estados Unidos e incluso bandas extranjeras. Eso nos hacía salir cada noche a ver tocar a todas estas formaciones, y todo empezó a funcionar; esas bandas necesitaban teloneros para abrir sus actuaciones. The Riverboat Gamblers empezó siendo una banda que simplemente abría para otros grupos más conocidos, y estuvimos haciéndolo durante años.”

Vuestro segundo trabajo “Something to crow about” es realmente enérgico, pero también tiene melodías muy cuidadas, y guitarras que suenan casi a hard rock. ¿Sois fans del rock clásico?

“Creo que el disco es muy variado porque a todos nos gustan diferentes estilos de música: punk rock, algo de hardcore, y también el rock clásico, así que a la hora de componer tratamos de juntar todo eso en nuestro sonido, que era lo que queríamos reflejar en el segundo álbum. Nuestras bandas favoritas también mezclan todos esos estilos, sobre todo la fuerza del rock n’ roll y la agresividad del punk rock. Si tuviera que hablar de mis bandas clásicas favoritas, una de ellas sería MC5, sin duda, aunque no sean lo que se dice una banda clásica de las que se suelen citar siempre como tal, aún asi su influencia es fundamental hoy en día en el sonido de miles de grupos, también adoro a AC/DC.”

El productor del disco fue Tim Kerr, ex-componente de The Big Boys, toda una institución del punk en Texas, ¿como fue trabajar con él?

“Tim tiene una gran reputación aqui, fue maravilloso poder trabajar juntos, consiguió el sonido exacto que buscábamos. Es una persona muy positiva y agradable. Hizo que todo fuese muy fácil.”

Me gustaría preguntarte por el significado del título y de la estética del álbum

“Ya teníamos pensado en ese título desde hace tiempo. Lo sacamos de un viejo anuncio de un show de música country, que creo que era de los años 50, en él aparecían dos gallos de pelea, y utilizamos esa imagen también para la portada del disco. La idea de los gallos tiene un significado muy importante para nosotros: no se como será en tu país, pero aquí el mundo de la música es muy competitivo, es muy complicado sobrevivir en esto, vivir de la música. Nosotros luchamos para conseguirlo cada día, y a menudo nos sentimos como gallos de pelea en pleno combate, dentro del ring y con la multitud expectante alrededor, podemos verlos, todos están ahí apostando su dinero, ellos se hacen ricos a costa de los gallos, que les dan entretenimiento a unos y grandes sumas de dinero a otros, pero si te fijas, los gallos no sacan ningún beneficio de todo ese espectáculo, lo único que consiguen es matarse entre ellos.”

¿Es duro ser un punk rocker en Texas?

“Desde luego que si, es realmente duro. Tocar punk rock en Texas no es la mejor forma de ganarte la vida (Risas)“

Bueno, ni en Texas ni en ningún sitio…

“Si, no creo que de muy buenos resultados en ninguna parte, pero para nosotros las cosas están mejorando. El año pasado todos decidimos dedicarnos a la banda a tiempo completo. Componer, actuar en directo, todo eso es muy satisfactorio, pero no deja de ser duro cuando te encuentras con gente de tu edad, que conoces desde hace tiempo, y ves cuales son sus prioridades en la vida, por una parte ves que sólo les preocupa ganar dinero, pero sin embargo te das cuenta de que ya tienen un buen coche, una casa, te preguntan qué vas a hacer con tu vida…No se, eso no es lo más importante para mi ahora mismo, lo importante es la banda y creo que soy mucho más feliz y libre ahora. “

¿Como está actualmente la escena por alli?

“Pueden verse buenas bandas, pero sobre todo en Austin. Si te fijas en el resto del estado de Texas…bueno, buena parte es excesivamente conservadora, y prácticamente todo el estado es de ideología republicana, pero Austin al ser la capital es mucho más abierta, y hay toneladas de bandas de rock n’ roll y punk rock, cualquier tipo de banda que puedas imaginar, mucha gente habla de Austin como la capital mundial del rock. Hay una escena muy interesante, y muchas bandas de allí que tocan constantemente y abren para otras más importantes, la verdad es que Austin es un gran sitio para tocar.”

Me imagino que te gustará el country y el rock sureño.

“Sí, por supuesto, yo crecí escuchando ese tipo de música. Me gusta sobre todo el country clásico, cosas como Johnny Cash, al que escuchamos siempre cuando estamos de gira. Pero si me preguntas por artistas actuales de country, no estoy muy interesado, no creo que haya nada destacable ahora mismo.”

¿Cuál es tu opinión sobre George W. Bush?

“Oh (Risas), no me gusta nada…Tiene mucha influencia en Texas, y eso es jodido, mucha gente cree que él representa la forma de ser de la gente que ha nacido en este estado, pero espero que le echen a la calle en estas elecciones. Ahora hay muchos movimientos entre la juventud en su contra, también el mundo del punk rock se está movilizando, la gente del rock n’ roll se está involucrando como nunca había hecho antes. Incluso muchos de los que le votaron se sienten traicionados después de ver todo lo que ha hecho. Definitivamente, no creo que él represente en absoluto lo que somos.”

Pasemos a hablar sobre vuestras actuaciones en directo, todo el mundo dice que ofrecéis grandes shows llenos de energía y fuerza, pero donde también suele haber violencia, ¿qué tienes que decir sobre esto?

Bueno, yo no diría tanto. Lo que sucede en nuestras actuaciones está muy lejos de ser verdadera violencia. Nadie en el público acaba herido, somos más bien nosotros los que nos golpeamos a veces, pero son accidentes, un show nuestro no se parece a los de G.G. Allin (Risas), no nos enfrentamos a la audiencia, lo que pasa es que en directo suelo saltar y meterme entre el público, trato de divertirme y contagiar esa sensación, yo creo que si tocas auténtico rock n’ roll agresivo y enérgico acabarás cubierto de moratones, es algo natural; yo solía practicar skateboard muy a menudo cuando era más joven, así que estoy acostumbrado a lesionarme, no hay problema en ese sentido (Risas) aunque a veces cometo alguna estupidez. Hace tiempo estaba jugando con el micrófono, agitándolo en el aire, y golpeé accidentalmente a Pat, nuestro bajista, en la boca, le hice mucho daño (Risas)…Con el golpe le rompí varios dientes, intentó terminar el concierto pero tenía la boca llena de sangre, al final tuvimos que llevarle al hospital esa misma noche…

¿Está recuperado?

Oh, si, está perfectamente. Además ahora tiene una nueva dentadura, así que tiene mejor aspecto que antes (Risas)

¿Cómo ves vuestro primer álbum hoy en día?

“Es una pena que sea tan difícil de encontrar, la mayoría de la gente que nos ha descubierto con “Something to crow about” no ha podido escuchar el primero. Lo grabamos en otras circunstancias, con menos medios, y eso se nota al escucharlo. Creo que si tuvieramos la ocasión de volver atrás quizá lo hubiésemos grabado de una manera distinta, pero sin embargo estoy feliz con el resultado de ese disco. Creo que es bueno que cada trabajo sea un poco diferente que el anterior, que ninguno sea igual al anterior, hay que ir cambiando y ofrecer cosas nuevas. En el caso del primer disco, está más basado en el punk, es un reflejo de como fueron los inicios de The Riverboat Gamblers.”

Así que el próximo álbum irá en una dirección diferente.

“Sí, será un poco distinto a “Something to crow about”. Me gustaría que cada disco nuestro sea parte de una evolución, pero que a la vez se reconozca en ellos el sonido propio de The Riverboat Gamblers, no que los fans piensen que se trata de una banda distinta, sino que al escuchar una canción nuestra, inmediatamente sepas que se trata de nosotros. Mis bandas favoritas siempre han ido cambiando, sería muy aburrido si grabásemos una y otra vez la misma clase de disco, con la misma fórmula.”

¿Cómo ves el rock n’ roll que triunfa en el mainstream hoy en día?

“No demasiado bien, pero de todos modos hay un puñado de buenas bandas ahi fuera haciendo cosas interesantes, como ha sucedido siempre, bandas que se merecen el éxito que tienen, como The Hives o The White Stripes, pero si lo pienso bien, eso es todo…Da miedo ver como están las cosas hoy en día, no hay grupos que realmente se arriesguen y rompan las reglas, está todo demasiado comercializado, y además de todo eso ni siquiera hay grandes grupos de rock con miles de fans, como sucedía en los 80’s o en épocas anteriores…”

En América siempre hubo buenas bandas de rock n’ roll como Supersuckers, y a finales de los 90’s aparecieron muy buenas bandas escandinavas como Gluecifer o Turbonegro.

“Oh si, Turbonegro son realmente un gran grupo. ¿Sabes? creo que “Apocalypse Dudes” es uno de los mejores discos que he escuchado jamás, tiene esa potencia…es perfecto de principio a fin, jamás me canso de escucharlo. Creo que bandas como Turbonegro deberían hacerse realmente grandes en América para que las cosas pudieran cambiar un poco y ojalá eso suceda. Turbonegro no son rock para la MTV, pero lo hacen realmente bien, y podrían gustar a mucha gente.”

En Europa son realmente grandes.

“Si, eso es lo que he oido, y es fantástico que sea asi.”

El tópico de “sex, drugs and rock n’roll ¿se puede aplicar a The Riverboat Gamblers?

“Oh, wow! Esta es una pregunta comprometida (Risas). Si pero…el sexo no suele ser demasiado bueno y yo jamás tengo nada que ver…En cuanto a las drogas, más bien suelen ser calmantes para el dolor después de nuestros “accidentes” en escena (Risas)…preferimos el alcohol a las drogas, no nos interesan. ¡Pero la parte del rock n’ roll es totalmente cierta!”

 

¿Cuál fue la mejor banda con la que habeis compartido escenario?

“Tengo que decir que hemos sido muy afortunados en ese sentido, porque a lo largo de todo el tiempo que llevamos tocando hemos tenido la ocasión de abrir para bandas realmente buenas a las que admiramos. Entre muchos otros, fue genial abrir para The Dictators, el años pasado abrimos para The Hives, una vez tocamos con X y lo pasamos realmente bien, también con Dwarves, pero la experiencia de abrir para MC5 en este tour fue algo increible.”

También abristeis para Extreme Elvis.

“¡Oh, dios mio! (Risas). Fue un show muy loco, no nos lo podíamos creer…Nunca antes habíamos oído hablar de Extreme Elvis, nos dijeron que tocaríamos con un imitador de Elvis, y bueno, aquí hay miles de imitadores de Elvis que actúan en directo todo el tiempo, así que nos pareció algo normal. Pero, ya sabes…él pesa como más de cien kilos, actúa completamente desnudo, se orina sobre el público, nosotros estamos totalmente en estado de shock mientras veíamos el show (Risas). Pero más allá de todas esas locuras, hay que reconocer que tiene una gran voz, es decir, su espectáculo sonaba realmente bien y es un imitador de Elvis estupendo.”

-PERFIL:

.NOMBRE: The Riverboat Gamblers

.ESTILO: Punk Rock

.PROCEDENCIA: Texas (USA)

.INFLUENCIAS: Misfits, Dwarves, AC/DC

.UN DISCO: “Something to crow about” (2004)

.UNA CANCIÓN: “Ice water” (incluída en “Something to crow about”)

J.L. Fernandez, 2004. Entrevista completa publicada en el nº374 de la revista Popular 1.